Prueba de artista

Autorretratos en el Instituto México

2008-12-20T10:17:00.004-07:00

El pasado 4 de diciembre se inauguró en el Instituo México, la exposición de grabados "Autorretratos, una multitud" curada por Alberto Murillo.

Enlace en Ancora

World Press Photo 2008

2008-10-07T17:10:00.005-06:00

Arte y entretenimiento. Primer lugar.
Autor: Ariana Lindquist
Una muchacha espera tras bambalinas en un espectáculo de cosplay.

Temas contemporáneos. Segundo lugar.
Autor: Zsolt Szigetváry
Una pareja es atacada en un desfile del Orgullo Gay en Budapest.

Este año los premios de World press se enfocaron primordialmente en aquellas fotografías que se complementaban con un texto o una historia breve de fondo. El jurado alegó que vio demasiadas fotografías buenas pero sospechosamente encasilladas en el estereotipo de "foto ganadora", así que decidió premiar fotografías con un contexto más complejo o menos conocido. Aquí he elegido las dos que más me gustaron.

Zsolt Szigetváry, retrata a una pareja que resultó herida en un disturbio en Budapest, mientras se realizaba el desfilo del Orgullo Gay. Ver la actitud de protección de uno de los hombres hacia el otro y su mirada dolorosa, cuestiona de forma contundente la intolerancia y lo absurdo de los prejuicios que propiciaron la agresión.

No hace falta buscar temas dramáticos o terribles para lograr fotografías poderosas. En lo que pareciera una imagen de revista de moda, Ariana Lindquist usa de modelo a una de las miles de personas aficionadas a los disfraces de animé y manga. La fotografía y el cine son las herramientas que por excelencia, sirven de medio para transformar lo ordinario en extraordinario.

Fotografías tomadas de http://www.worldpressphoto.org

Rana sacrílega

2008-08-28T16:29:00.005-06:00

Animales de colores, nunca pasan desapercibidos. El Unicornio azul, el elefante rosado y hoy, la rana verde.

Una vez más el Vaticano se ofende.

Generalmente los íconos, y en especial los que personalmente admiramos y amamos, deberían ser intocables. Pero su ícono venerado, no necesariamente es el mío y ahí surgen las discrepancias.

En clara referencia a Jesucristo, una rana está crucificada. En vez de vinagre le dieron una jarra de cerveza y en vez de corona de espinas tiene un huevo en la mano. ¿Será que Benedicto XVI le corresponde darle la estocada final en el costado?

Nota en el Diaro el Mundo de España

Arias, villano a medias

2008-07-15T08:18:00.003-06:00

(foto de Mayela López, en Informa-tico)

Recién inaugurada la segunda presidencia de Oscar Arias, este anunció su necesidad de disponer de un lugar más digno para ubicar su espacio laboral. Fue así como señaló el CENAC (el cual alberga el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo) como el lugar idóneo para instalar su oficina y la de sus colaboradores.

Cuando la noticia se divulgó, las reacciones adversas no se hicieron esperar y hubo protestas, marchas, peticiones firmadas, gente amarrada en portones y una variopinta cantidad de actos que se movían entre la seriedad y el ridículo.

Al parecer, el clamor del pueblo surtió efecto y Arias relegó sus intenciones a un segundo plano, al menos en apariencia.

Hoy, los periódicos escriben sobre los graves problemas presupuestarios que sufre el MADC y cómo a causa de ellos, su director Ernesto Calvo decidió presentar su renuncia. Tal vez el museo no fue clausurado tajantemente para convertirse en casa presidencial, pero como velada represalia se convirtió en sujeto del olvido estatal. El único espacio público para la difusión del arte de tendencia conceptual sufre una penosa y delicada situación, pero ya no parece haber ímpetus y almas agitadas que lo defiendan. Al mejor estilo de las canciones populares de amores frustrados, por el museo ya no hay odio y tampoco hay amor. Contra él existe algo peor: indiferencia.

Desgraciadamente esta indiferencia no proviene únicamente de los altos jerarcas y del gobierno, figuras que comúnmente se señalan como el despreciable enemigo. El mal desde siempre ha estado presente en el público que se resiste a visitar sus exposiciones. Esa cadena de personas tomadas de la mano alrededor de sus muros que con gran dramatismo demandaba la protección del edificio como sede artística, no parece estar anuente a visitarlo con la frecuencia necesaria. Desgraciadamente el arte , como cualquier otro espectáculo no puede subsistir del apoyo moral y se hace inminente colaborar de forma financiera.

Se debe acudir al museo y ojalá hacerlo en los días que no son gratis. La entrada es una suma módica y tal vez no sea suficiente para solventar inmediatamente la falta de recursos. Sin embargo, llenar sus pasillos sí puede demostrar que lo que ahí se presenta es altamente consumido y consecuentemente, adquirir el estatus de necesidad. El arte no solamente es responsabilidad de la empresa privada y su caridad.

Frida de Julie Taymor (2002) (Estados Unidos)

2008-05-26T18:08:00.005-06:00

En el apartado de personajes sufridos está Frida Kahlo. Sus dolencias físicas no son ningún secreto, están en todos sus autoretratos donde se representa a sí misma postrada en una cama, convaleciente o en una situación de dolor. Por supuesto, y para regocijo de Julie Taymor y Salma Hayek, en la Kahlo había suficiente tormento e infortunio como para alimentar el morbo de unas 20 películas. Tal vez por esa razón y para no caer en un biopic medio gore, ellas se inclinan por maquillar el dolor de forma bella. Al situarse mayormente en México, opta por paisajes coloridos y escenarios muy étnicos. No cabe duda que es un recurso interesante. Indudablemente la fotografía y el cierto efectismo de algunas escenas son llamativos, siendo las recreaciones de los cuadros lo mejor de la película. Sin embargo, abusa enormemente de esto e incurre en una idealización extrema. Alguna vez alguien dijo que Salma Hayek era la Frida de Revlon.

La principal crítica a "Frida" es que si bien cuando se habla de artistas hombres la tendencia es a retratarlos como borrachos y mujeriegos, en las mujeres todo parece inclinarse hacia el lado telenovelesco. Aquí se representa a Frida Kahlo en función y sólo en función de Diego Rivera y se relegan a un segundo plano sus abiertamente declaradas filiaciones políticas, su activismo y luchas pro-nacionalistas.

Más terrible que cualquier accidente de autobús, amputación o invalidez, es el espantoso espanglish en que habla la protagonista como para convencer al público estadounidense que realmente se narra la vida de una mujer mexicana.

Rembrandt en los Museos del Banco Central

2008-04-12T22:16:00.002-06:00

Un nuevo éxito se suma a los muchos que han tenido los Museos del Banco Central de Costa Rica. La exposición itinerante de grabados de Rembrandt tuvo una afluencia masiva, siendo una oportunidad única para admirar obras a veces solamente conseguibles en el extranjero. En general, es reconfortante tener al alcance muestras excelentemente bien curadas y montadas, además de asequibles y educativas para todo el público. Es de destacar la preocupación de los organizadores por acentuar el didactismo y la contextualización de las obras en virtud de hacer los recorridos más amenos e interesantes. Videos, libros de referencia, explicaciones técnicas son apoyo para que el visitante se eduque y tenga la mayor cantidad de información disponible sobre el tema.

Fue un gusto admirar de forma tan cercana semejante dominio técnico del grabado en metal, del dibujo y la composición. También fue una grata sorpresa que se incluyeran algunas de las planchas y así poder compararlas con la impresión. No todos los días hay una fila de semejantes dimensiones para ingresar a un museo, no todos los días hay un Rembrandt a la vuelta de la esquina. Sin embargo, vale la pena visitar todas y cada una de las exposiciones que organiza el Museo del Banco Central, aunque el artista de turno no sea tan “famoso entre los famosos”.

El gran mito: caída y redención del alma divina

2008-03-23T12:20:00.002-07:00

En el principio, luz y oscuridad, bien y mal, Dios y materia permanecían divididas por una frontera. Padre de la grandeza versus Príncipe de las tinieblas. Este último se vio forzado a moverse hacia los territorios del Padre y al ver la luz quiso conquistarla. El Padre lo combate proyectándose en “Madre de la vida” que a su vez se proyecta en “Hombre primordial”. Este va hacia la frontera con sus cinco hijos a enfrentarse a las tinieblas y es vencido y sus hijos devorados. Esta derrota señala el comienzo de la “mezcla” cósmica, pero asegura al mismo tiempo el triunfo final de Dios. La oscuridad (la materia) posee ahora una porción de luz, es decir, una parte del alma divina, y el Padre, al preparar su liberación, dispone de todo lo necesario para su victoria definitiva sobre las tinieblas.

En una segunda creación, el Padre “evoca” el Espíritu vivo que va a la oscuridad y lleva al Hombre primordial de nuevo hacia la luz. Abatidos los arcontes demoníacos, el Espíritu modela la naturaleza con su “cuerpo” y fluidos. Ejecuta una primera liberación de la luz creando el sol, la luna y las estrellas.

En una tercera evocación proyecta al “Tercer Mensajero”, quien organiza el cosmos como una especie de máquina destinada a extraer las partículas de luz aún cautivas, explicándose esto a través de las fases de la luna. Queda la luz que fue engullida por los demonios. El mensajero se muestra a los demonios según sea el caso como una virgen o un joven desnudo (interpretación sórdida, “demoníaca”, de la naturaleza andrógina del mensajero celeste). Inflamados de deseo, los arcontes masculinos desparraman su semilla y, con ella la luz que habían engullido. Al caer en la tierra, su semilla hace brotar todas las especies vegetales conocidas. Las diablesas, que ya estaban embarazadas, al ver al hermoso joven, abortan, los fetos, al caer en tierra, comen los brotes de los árboles y de este modo asimilan la luz que estos contenían.

Alarmada por la táctica del tercer mensajero, la materia, personificada en la “Concupiscencia” decide crear una cárcel más segura en torno a las partículas de luz que aún permanecen cautivas. Dos demonios, uno macho y otro hembra, devoran todos los fetos abortados para absorber la totalidad de la luz y luego se emparejan. De este modo son engendrados Adán y Eva. Nuestra especie nace por una serie de actos repugnantes y de canibalismo y sexualidad. Conserva los estigmas de este origen diabólico: el cuerpo, que es la forma animal de los arcontes; la libido, deseo que impulsa al hombre a emparejarse y reproducirse, es decir, conforme al plan de la materia, a mantener indefinidamente en cautividad al alma luminosa que transmite, “trasvasa”, la generación de cuerpo en cuerpo.

Pero ahora, la mayor cantidad de luz se encuentra recogida en Adán quien es junto con su descendencia, el objeto principal de la redención. Se repite el argumento escatológico: Adán, envilecido sin conocimiento es despertado por el Salvador mediante el conocimiento y este se libera de las tinieblas. Lo mismo que en los restantes sistemas gnósticos, la liberación abarca tres etapas: el despertar, la revelación de la ciencia salvadora y la anamnesis.

Este argumento pasa a ser el modelo de toda la redención por la gnosis, presente y futura. Hasta el fin del mundo, una parte de la luz se esforzará por “despertar” y, en última instancia, por liberar a la otra parte, cautiva en el mundo, en el cuerpo de los hombres y de los animales y en todas las especies vegetales. Cada niño que viene al mundo no hace otra cosa que prolongar el cautiverio de una partícula divina.

En “el tercer tiempo” una especie de apocalipsis, se define la separación de las dos sustancias, pues la oscuridad jamás podrá irrumpir en el reino de la luz.

No es un guión para la siguiente película inspirada en las crónicas de Narnia, no es un guión para la Heavy Metal, es el mito de la creación según el maniqueísmo.

En Historia de las creencias y las ideas religiosas, Mircea Eliade, Tomo II.

John Waters - No Smoking

2008-03-05T16:47:00.002-07:00

En los cines siempre hay anuncios previos a la película donde se hacen recomendaciones a los espectadores. No hablar por celular, no interrumpir la función con pláticas a todo volumen, en fin, una serie de cosas que la gente generalmente desacata. Desgraciadamente, y para infortunio de los fumadores, la recomendación de "No fumar" se cumple siempre. No sé a cuántos les pasó en Kill Bill Vol. II, desear sacar un cigarrito al ver a Darryl Hannah echándose esas deliciosas bocanadas.

En fin, este spot de John Waters "persuade" a los asistentes a evitar fumar durante la función.

Pollock de Ed Harris (2000) (Estados Unidos)

2008-02-21T09:17:00.005-07:00

Nota aclaratoria: Esto es un descarado reciclaje de algo escrito hace rato en un foro de cine, en un intento de actualizar la pagina en lo que se posicionan los astros para una nueva entrada.

Biopics hay por toneladas. Muchas son de artistas entre escritores, actores, músicos y las que me interesan, las de pintores o artistas visuales. Siempre que encuentro alguna la veo. Me dan mucha curiosidad. A continuación, un repaso de lo que he visto.

Pollock
Quizás la más famosa, ya que Marcia Gay Harden ganó el oscar a mejor actriz secundaria por interpretar a la pobrecita esposa de Jackson Pollock. La película narra la vida de uno de los pintores expresionistas estadounidenses más famosos de la historia, versando sobre su etapa incomprendida, su posterior reconocimiento y por supuesto, sus excentricidades.

El gran defecto de “Pollock” es común al resto de biopics de artistas. Si alguien tiene una vida maravillosa, llena de éxitos y es feliz, a nadie le va a interesar. Por el contratio, si esta es tortuosa y plagada de chascos, la cosa cambia. Esto no tiene por sí mismo nada de malo, sin embargo, los enfoques facilistas que optan por asociar necesariamente guaro e irresponsabilidad con una creatividad desbordante, pues son discutibles. Como disculpa, tal vez podría decirse que la corriente a la que perteneció Jackson Pollock abogaba por una exaltación de la psique del artista. Los sentimientos, que llaman. Si se observan las obras de ese período (expresionismo abstracto) pues generalmente tales sentimientos no tienen nada que ver con alegría o felicidad. Es un arte post II Guerra Mundial y ese es un detalle que podría deprimir a más de uno. Así pues, una película que se inspire en un artista de ese movimiento y tenga como resultado un Jackson Pollock atormentado y tortero, pues podría tener una excusa. Ahora, si me preguntan, yo diría que esta no era la intención deliberada del director, quien probablemente, traicionado por sus prejuicios, optó por la seguridad de reproducir lo que todos esperan sea el comportamiento de un “verdadero genio”.

Curiosidades: En una película donde algún actor hace que toca piano, por ejemplo, pues el truco es sencillo. La toma se hace desde atrás del instrumento o solo se le enfocan las manos al que realmente está tocando. Con los pintores pasa lo mismo, siempre es una mano misteriosa la que hace todo el trabajo. En "Pollock" la gracia es que Ed Harris (quien también es el director) sale pintando sin trucos. Claro está que tampoco el tipo tuvo que pasar años preparándose en alguna academia. Los cuadros más emblemáticos de Jackson Pollock fueron hechos con la técnica del dripping, término que en tico viene a ser más o menos, la técnica de los chorretes. Hay una toma muy bonita en que el actor enfocado a vista de gusano, lanza pintura sobre una superficie transparente, hasta cubrir gran parte de la pantalla.

La mujer dadá

2007-11-11T15:45:00.000-07:00

Octavio Paz hace un exhaustivo análisis en su libro “Apariencia desnuda, la obra de Marcel Duchamp” de “El gran vidrio”, obra también conocida con el título de “La novia cortejada por los solteros, aún...”.

Comienza su disertación rechazando la idea generalizada de un Duchamp influenciado por el movimiento futurista. “Desnudo bajando la escalera”, pintura precedente al gran vidrio y sus incursiones dadá, parece futurista pero en el fondo, es una crítica a este. A pesar que la figura se desliza dejando la estela de su paso a través del cuadro, su idea no es de dinamismo o velocidad sino de estatismo. Tampoco la alegoría de una figura metalizada constituye una exaltación a las bondades de la máquina o el progreso. El “Desnudo bajando la escalera” lleva desde esas fechas el elemento dadá por excelencia, la ironía.

Es dudoso si el desnudo de Duchamp retrata a un hombre o a una mujer, inclusive es una interrogante saber si es humano. Igualmente, la novia del gran vidrio, no es una dama de velo y corona, es una máquina gigante. Sus pretendientes, son 9 trajes colgados al inicio de lo que parece ser el inicio de un engranaje que desencadena un proceso serial.

La mujer como máquina

Muchas son las teorías y análisis que se desarrollan en torno al Gran Vidrio y su simbolismo. Según Paz, uno de sus estudiosos, la obra es una disertación sobre las relaciones entre géneros y sus respectivos roles. La ironía proviene de representar a los seres humanos como máquinas y establecer un símil entre la sexualidad y la mecanización. A pesar de contar con una serie de características que nos diferencian de los aparatos, el comportamiento parece ser regido por la impronta de las convenciones sociales y es imposible deshacerse de ellas, convirtiéndonos en máquinas imperfectas. En esta dinámica del Gran Vidrio, se establece a la mujer como ser autosuficiente (activo) y al hombre como elemento dependiente (pasivo). Aunque a simple vista pudiera esta interpretación relacionarse con un sexo femenino en una posición ventajosa, Paz advierte que “la novia” se encuentra aislada e intocable. Es un objeto de deseo inalcanzable que desencadena el anhelo de sus pretendientes. Estos interactúan sin llegar a tocarse siquiera, constituyendo una metáfora de la represión sexual predominante a principios de siglo y donde el arte se vio influenciado por el boom del psicoanálisis que versaba en gran parte sobre los prejuicios en torno al erotismo.

Paz concluye que El Gran Vidrio lleva implícito vasto pesimismo, pero curiosamente y de forma muy neutral y lúcida, no lo descarga culpando a la figura femenina sino a lo complejas que pueden llegar las relaciones humanas en general. El epílogo del título de su cuadro reza “definitivamente inacabado en 1923”, para reafirmar el carácter irónico y porque en el dadá, el titular una obra era tan importante como realizarla. Sin embargo, la frase ilustra con eficiencia la vigencia que sus posibles disertaciones aún tienen hoy día.

Photoshop esculpido

Como anticipándose a las imágenes de algún diseñador gráfico modificando cuerpos humanos con algún programa de fotografía digital, Hans Bellmer en los años 30’s elabora figuras femeninas imposibles de carácter grotesco, con varias piernas emergidas de un solo torso, ausencia de cabeza o múltiples brazos. La multiplicación de extremidades no tiene la connotación de plenitud que existe en culturas indias con deidades de muchísimos brazos. Su sentido es más bien crítico y provocador, rompiendo con los estereotipos de belleza en desnudos de gran carga erótica que a la larga pudieran resultar repulsivos. La ironía de Bellmer consiste en que a pesar de la gran cantidad de brazos y piernas, hay una apariencia de mutilación.

El dadá se ocupó de inutilizar los objetos (en el caso de Bellmer, al cuerpo humano) en función de la burla a lo convencional y la revisión de los emblemas en torno a los cuales la sociedad construye una visión cómoda, satisfactoria y segura.

La inclusión de la figura femenina como tema parece provenir de su condición periférica que la excluye de la oficialidad. Feminizar lo irrefutablemente masculino, constituye el parámetro de una ácida crítica hacia lo incuestionable.

Expresionismo

2007-11-06T16:35:00.000-07:00

El mundo es horrible y nadie me quiere. El término expresionismo surge a principios de siglo con el desarrollo del movimiento "El Puente" en Alemania. Sin embargo, este actualmente aplica a cualquier obra cuya sensibilidad esté emparentada con las motivaciones y estética de dicho grupo y otros posteriores, independientemente de su época, técnica o contexto. Es lo que pintan los atormentados y los pesimistas.

Herbert Read contrasta el movimiento expresionista de los años 1905-13 con su contemporáneo, el fauvismo de Matisse. Este último es colorido, sensual, relajado y alegre. Figuras desnudas y desinhibidas, se contornean en un paisaje de cálida luz mediterránea. En el norte de Europa, de donde surge el expresionismo, el clima dista mucho del amigable y soleado ambiente de una costa española o francesa. Frío terrible en inviernos agrestes en países como Alemania, Noruega o Rusia, resultaron según Wilhelm Worringer en una visión negativa de la naturaleza, a la cual, lejos de admirar o aprovechar sus bondades, había que temer. El concepto de naturaleza que Worringer aplica, no solo se limita a la idea de hostilidad y amenaza que estos entornos provocaron en los habitantes de esa determinada geografía. También tiene referencia al relativamente desconocido mundo orgánico y microscópico. De ahí que la enfermedad (la mental y la física), el origen de la vida, la complejidad del comportamiento regido por el instinto o lo hormonal y la incertidumbre de la muerte fueran los temas predilectos de las sombrías personalidades expresionistas. Read, redondea su idea con algunos ejemplos de artistas emblemáticos atormentados por múltiples calamidades. Munch, precursor del movimiento, llevó a cuestas la enfermedad y muerte de su hermana y madre. Viajó a París y a Alemania teniendo relativo éxito, pero jamás trascendió su calidad de foráneo. Van Gogh, otro de sus predecesores, llevó una vida marcada por el desequilibrio mental y la soledad. Otros como Nolde, Kandinsky o Rohlfs, lucharon por varios años contra el aislamiento de las provincias en que crecieron.

La archifamosa obra “El grito” (1893) de Edvard Munch, es el ejemplo más característico y didáctico de todo lo anteriormente expuesto. Una figura andrógina, rodeada de un paisaje cotidiano de la época, se detiene espantada acatando únicamente a lanzar un grito desesperado.

Consignas sociales del expresionismo

Como es común a otros movimientos artísticos del siglo XX, el "El Puente" es un grupo de reacción y confrontación. El principal blanco de críticas constituía por supuesto la clase alta y la burguesía . Más tarde, con la figura de Kathe Kollwitz y el expresionismo abstracto de mediados de siglo, se sumará la guerra como elemento negativo y tormentoso.

Se dice que el estilo expresionista, en grupos como el del Puente por ejemplo, proviene de la ausencia de estudios formales en pintura por parte de sus artistas. Estos, como estudiantes de arquitectura, comenzaron a desarrollar su obra sin sesgos académicos de ningún tipo, acercándo su figuración a la ingenuidad o lo infantil. Aunque de manera inconsciente y casi fortuita, esta estética carente de reglas también constituyó una reacción contra el gusto generalizado de la época, el cual se ubicaba más cercano a lo clásico y a lo objetivamente realista.

El grabado, fue otra de las herramientas que jugaron un papel importante en función de la lucha contra la aristocracia. Múltiples copias se traducían en una más efectiva distribución. Popularizar el arte constituía una forma de protesta.

Es por lo tanto, atinado mencionar a Kathe Kollwitz, escultora y grabadora alemana que desarrolló su obra desde finales del siglo XIX hasta los 30’s. En su caso, la elección del grabado obedecía a su predilección por el dibujo sobre la pintura. En su contexto, el dibujo era considerado la técnica por excelencia de los intelectuales y como consecuencia, elaboró una serie de litografías, grabados en metal y xilografías con temas que versaban sobre la desigualdad social, la guerra, la muerte y el activismo. Formada en la academia, usa el lenguaje propio de la burguesía para atacarla. Ella perdió a su hijo en la guerra, así que es frecuente la representación de madres llorosas con sus pequeños moribundos o a la muerte tratando de arrebatárselos (La muerte agarrando a una mujer, litografía, 1934).

Me asusta pero me gusta

Otro de los grandes dilemas presentes en el expresionismo es el drama que la sexualidad representó. Si aún hoy día el tema sigue siendo escabroso y marcado por los tabúes, se debe imaginar en el contexto represivo de principios de siglo. No en vano, en muchas figuras famosas del arte, la representación del erotismo, la idea del amor, las relaciones sexuales o la prostitución estuvieron presentes en Picasso, Klimt, Schiele o Matisse, siempre con un enfoque ambiguo entre el deseo y el repudio. No se puede hablar de misoginia de una forma tajante, pero sí hay una constante que deriva en la representación de la mujer con una connotación negativa. En Munch existe una triada de temas indisociables, los cuales son mujer, sexualidad y muerte. Irónicamente y a pesar del lamentable ligamen de la mujer con la muerte, esta persiste como objeto del deseo. Un Picasso por ejemplo, atavía a sus Señoritas de Avignon con amenazantes y toscas máscaras para representar el oscuro mundo nocturno de las prostitutas. Más allá de los valores formales de esta obra cubista, el cuadro es también una representación de la visión de mundo existente en torno a la mujer y su rol social. Sin embargo, se sabe que Picasso gustaba de la vida bohemia donde la atracción por el sexo opuesto formaba parte de ella. Más aún, muchos de sus biógrafos insisten en ligar las etapas o cambios estéticos de su producción artística según su compañera de turno.

Dentro del expresionismo este fenómeno es una constante. Munch en muchas ocasiones retrata a sus personajes femeninos con una especie de máscara y los ojos vacíos (Artista y su modelo, óleo, 1919-21). En otras, las rodea de una atmósfera hostil. Su famosa “Madonna” de 1902 retrata a una mujer con el pecho desnudo en actitud sensual enmarcada por un feto y espermatozoides de líneas retorcidas. Su mensaje parece dar a entender que en el atractivo sexual va implícita la posibilidad del sufrimiento o la enfermedad. Nolde o Kirchner, relacionan a la mujer con lo primitivo, resaltando un carácter desbocado y frenético. Sin embargo, en estos como en muchos otros artistas de las primeras vanguardias del siglo XX, la mujer es tema recurrente. Se odia, se teme, se necesita.

Dígalo con camisetas, Bienarte 2007

2007-09-14T17:50:00.000-06:00

"Dígalo con camisetas", racionalice con estilo

"No malgaste su tiempo en efímera retórica, "Dígalo con camisetas", y transmítale su alegría, opiniones o malestar a la opinión pública de forma efectiva y económica."

Cuando recibí el correo genérico con la leyenda "gracias por su participación, mejor suerte la próxima vez" la verdad me sentí destruída, desolada...Imaginé a los jueces mirando de reojo y desdén mi querida y preciada obra. Lamenté las buenas horas que le pellizqué al trabajo y al estudio que invertí en vano, así como la mala disposición que provoca fallar. Sin embargo, cuando me di cuenta que yo era una más de las decenas de artistas que fueron rechazados de esta edición de Bienarte (94 de 101), no voy a mentir que hasta me sentí alegre. Bien reza el dicho, mal de muchos consuelo de tontos.

Obviando mis reacciones más mundanas, es imposible no pronunciarse sobre la peculiar selección que tres jueces nombrados por los organizadores hicieron para esta edición del certamen. Objetivamente, considero hasta loable que tres extranjeros corran el riesgo de enfrentarse a la crítica local al limitarse estrictamente a lo que a su criterio, merece ser seleccionado, así sea un número reducido de obras. Es osado, contundente y directo. Sin embargo, ¿será lo correcto? Imposible saberlo en una de las disciplinas donde la subjetividad es la esencia primordial.

"Buenas ideas, pobre ejecución" dijo una de las juezas.

Como bien dijo Tatiana Zúñiga en una charla sobre la feria anual de Artes Plásticas, cada quien está en su derecho de ejercer los criterios de curadoría que considere pertinentes y está en el artista someterse a ellos o declinarlos.

Sin embargo, ante la queja y malestar que circula entre los rechazados y sobre todo en los comentarios generalizados existentes en mi escuela (quien fue víctima de serios cuestionamientos por los organizadores y jueces de Bienarte), solo queda racionalizar el fracaso con algo de ironía, ya que probablemente a la próxima bienal todos nos aproximemos, medio amnésicos, medio resignados, a pulsearla nuevamenteante ante la escasez de certámenes y convocatorias de arte contemporáneo existentes en nuestro país.

Los 100 años de Amighetti

2007-09-05T09:21:00.000-06:00

Fui invitada por Alberto Murillo a participar en la exposición conmemorativa del natalicio de Francisco Amighetti. Se trata de una muestra de grabados en madera donde participan diferentes artistas costarricenses con el fin de celebrar el cumpleaños número 100 del maestro. Es en la galería Sophia Wanamaker del Centro Cultural Costarricense Norteamericano y estará abierta durante todo un mes, del 10 de setiembre al 9 de octubre.

Enlace en Redcultura

Mujeres artistas, introducción

2007-08-02T15:31:00.000-06:00

Raras excepciones. Artemisia Gentileschi, "Susana y los viejos", 1610.

La profesora Claudia Mandel, directora de la Galería Amón, imparte el curso de “Mujeres a Artistas”, el cual ha significado un descubrimiento teórico y pictórico para un tema y un enfoque que particularmente siempre me ha interesado.

Lo primero fue tener un completo listado de mujeres destacadas en el campo del arte, en su mayoría con énfasis en temas de género. Lo segundo, es que el listado no se limita únicamente a las mujeres procedentes de Europa o Estados Unidos, sino que se ocupa de rescatar el aporte de las de Suramérica, Centroamérica y México.

La introducción viene con un estudio del ensayo de Linda Nochlin “¿Porqué no ha habido grandes mujeres artistas?” por María Ángeles López Fernández. La hipótesis de Nochlin se fundamenta en la restricción existente a todas las mujeres, desde tiempos del Renacimiento hasta ya adentrado el siglo XIX, a acceder al estudio de la anatomía y el desnudo en las clases de dibujo. Debe entenderse que en esos años, las academias y la crítica artística consideraban como obra máxima o sinónimo de “maestría” y “genio” la habilidad para reproducir de forma objetivamente realista el cuerpo humano. En clara desventaja por estarles vedada la práctica de esta especialidad y la consecuente inexistencia de desnudos pintados por mujeres, pocas artistas lograban reconocimiento.

Este hecho, basado en una situación concreta y específica de un período, ha sido interpretado con el correr del tiempo como símil de incapacidad, cuando no se cuenta con suficiente información contextual.

Aunque existió un puñado de mujeres que destacó durante ese período, lo hizo en áreas consideradas en ese tiempo como “menores”, entre ellas el retrato o el bodegón. Así, un tipo de historia del arte “oficial”, como aquella que viene en libros de textos comunes y no necesariamente especializados, simplemente ignora esos nombres diferentes a los “grandes maestros de la pintura”.

A partir de este tipo de ensayos y escritos de autores interesados en estudiar el desempeño de la mujer bajo aspectos inherentes al género dentro del mundo del arte, se han suscitado una serie de postulados y conclusiones que cabe analizar con detalle. Desde una visión sintética, la idea de teóricos o movimientos feministas es reivindicar el rol de la mujer y no caer en criterios simples que señalan su ausencia de la historia del arte a través de cuestionables razones que la identifican como física e intelectualmente inferior, incompleta y hasta “defectuosa”. Sin embargo, las buenas intenciones también son suceptibles a cometer errores o juzgar de manera imprecisa. Surge un debate en torno a qué se considera “femenino”, si es aplicable ese término y si este al fin y al cabo proviene del mismo modelo patriarcal que tanto se critica, entre otra gran cantidad de interrogantes que separan a pensadores y artistas en diferentes líneas de opinión y estrategia.

De cómo el TLC podría beneficiarnos a todos.

2007-07-27T12:24:00.000-06:00

¡Jack the Skeleton dice No al TLC!

El grueso de las personas, sienten una necesidad de identificarse con algún tipo de idea, corriente o movimiento. Sin embargo, parece ser que, tener filiación con algún grupo no es suficiente para sentirse parte de él, sino que adicionalmente se hace necesario externar esa empatía a los demás. Por esta razón, algunos se convierten en una suerte de anuncio publicitario, echándole mano a vestimentas especiales que denominen sus inclinaciones. Punks, hippies o “góticos”, modifican su apariencia según sus creencias y aficiones.

Sin embargo, los ejemplos anteriores son algo radicales. El demostrar quién soy o quién quiero ser por medio de la ropa, no siempre implica el echar mano de un atuendo completo o una especie de “disfraz”. A veces solamente requiere algún accesorio o aditamento colocado en un lugar visible, como los católicos que usan las medallas o estampas de santos o vírgenes, por ejemplo. La imagen icónica se vuelve favorita para ostentarla en algún lugar de privilegio. La desgastada cara del Ché Guevara y más recientemente Mao Zedong, adornan los más variados soportes. Su popularidad ideológica o bien, simplemente su fuerza iconográfica les han valido un lugar en el imaginario colectivo y en consecuencia en el espacio comercial.

La modernización constante de las técnicas de impresión y el diseño gráfico, han hecho posible que estos íconos y muchos otros (algunos menos solemnes como personajes de televisión o muñecos de caricatura), cada vez sean más asequibles. La tecnología también ha hecho posible el que exista la personalización del servicio y los diseños, siendo factible el hacer una creación a gusto del cliente y de copia única sobre artículos cotidianos como camisetas, tazas, llaveros, etc.

Hoy día, después del oscuro Jack the Skeleton, el marihuano de Bob Marley, la rosada Hello Kitty y la foto del perro con gorro navideño, una nueva ola gráfica inunda, con el último grito de la moda, los mercados, tiendas y puestos callejeros: NO al TLC.

Dentro de la historia contemporánea, los estudiosos nunca han tenido claras las posturas sociales y económicas de los Tiny Toons. Muy probablemente estos apoyen la política expansionista del país al que pertenecen, pero eso es una mera especulación. Sin embargo, en el caso del Ché y Mao, no hay duda que irremediable e irónicamente han caído víctimas de aquello que tanto criticaron.

Sobre el TLC, o más bien, el NO al TLC, es curioso ver compitiendo con el tono solemne de las luchas y los discursos anti imperialistas a una tabla forrada en tela cubierta de brochecitos, corrongos bolsos de tela con logotipos, parches y una cantidad de vendedores ansiosos de distribuir una mercancía que tiene pronta caducidad. (¡Maldito referendo!)

Concluyendo, aprueben o no el TLC, gane o pierda la Sele, el comercio siempre sale triunfador.

Así que Lachi les da a sus lectores el siguiente consejo:

-Si usted está en contra del TLC, sáquele partido a su desgracia obteniendo ingresos extra. Inste a sus familiares y amigos a convertirse en pancartas vivientes.

-Si está a favor, aproveche y lucre con la pasión de sus detractores.

Chino cochino

2007-06-30T08:45:00.000-06:00

Por muchos años vi a mi papá ser el centro de atención para mucha gente. Todos querían hablar con él y oir aquellos comentarios comunes y corrientes que en su boca sonaban maravillosos. Un día hasta noté que una señora incapaz de contener su impulso, le tocó el hombro con la emoción de quien toca alguna estatua milagrosa.

Mi papá no hacía nada especial para mantener esa considerable cantidad de seguidores, como tampoco se esforzó por ganarse las no pocas muestras de desprecio o las miles de veces que hombres y mujeres le gritaron despectivamente y como si fuera un insulto: ¡chino!!

Su fenotipo era suficiente para desencadenar las más absurdas especulaciones. La de una sabiduría milenaria, por ejemplo. Bueno, mi papá era un hombre visionario e inteligente, trabajador y responsable. Claro está que eso no excluía que tuviera escondidas por ahí unas cuantas revistas porno y se relamiera viendo las películas terror más malas que allá en los años ochentas pasaban por canal 6. Otros, inexplicablemente pensaban que tenía un botín escondido debajo del colchón o en un hueco en el piso. Así, algunos (sobre todo inspectores de tributación, salud y aduanas), se sentían con el derecho de reclamar su parte del hipotético tesoro exigiendo “ayuditas” o “algo para tomar café”. Su última faceta fue la más curiosa. En algún momento se convirtió en una especie de gurú capaz de responder preguntas tipo doctor corazón. “¿Qué hago para ganar dinero?”, “necesito un novio de plata”. Esas frases eran tan frecuentes como las veces que alguien de paso le gritaba sin mirarlo “¡chino cochino!”, con el odio más extraño y gratuito imaginable.

Chino cochino, versus chino platudo, versus chino milagroso. Todas menos chino persona.

Pensando en esto escribí este extracto del ensayo sobre Vislumbres de la India de Octavio Paz.

China, Japón, Angola, India, usted póngale nombre.

"La India como ilusión. Parece ser que la India ha encandilado desde siempre a sus visitantes con una apariencia extravagante. La exhuberancia que hoy día atrae millones de turistas a sus tierras, no dista de los invasores que en el pasado fueron seducidos por su riqueza natural y extensos territorios. Sin embargo, no hay que dejarse llevar por lo que en principio, pareciera ser una ventaja. El espejismo que identifica a la India como especie de paraíso, también ha intensificado el deseo de apropiación de todos sus antiguos invasores y ha detonado las más increíbles tergiversaciones. La india es víctima de ese peligroso exotismo, que un día es blanco de elogios y al otro motivo de censura.

Para nosotros, un conocimiento de tipo “ligero” acerca de la India y otros países geográficamente alejados, viene de algunos medios de comunicación masiva y del boca a boca entre personas. Gran parte de ellos, encierran inconscientemente visiones esteriotipadas y etnocéntricas. Ahí se relaciona este país con relativos atributos y prejuicios. De un lado, belleza ligada a la abundancia de color y magnificencia arquitectónica, del otro, el caos de lo pobre e insalubre. Cada uno de estos dos elementos, será exaltado o relegado según convenga. En Internet abundan las guías de cómo “sobrevivir” un viaje a la confusa y desordenada India, a su lado, majestuosas fotos retocadas digitalmente con un paisaje de ensueño invitan al viajero a comprar un tiquete de avión.

Sea cual sea la faceta que se nos venda, es necesario entender que muchas de estas ideas, tanto las más maravillosas como las menos deseables, en su mayoría provienen de la ignorancia y la incomprensión. La utilización de parámetros ajenos nacidos en contextos diferentes, tiene como consecuencia el posicionamiento de una imagen distorsionada. Así, para el mundo occidental contemporáneo, el estereotipo se decanta por interpretaciones de tipo sensacionalista. Allí pululan desde creencias espirituales y modas de nueva era, hasta el secreto de la eterna juventud. En otros casos, se racionalizan las diferencias identificando al otro en una condición de inferioridad. En esta patética visión de la India, parece ser más fácil relacionarla con maravillosas sanaciones milagrosas que con su poderosa economía o la pujante industria informática que actualmente desarrolla".

Trasnoches sin clímax

2007-06-04T08:42:00.000-06:00

De cómo perder a su mejor amigo.

¿Bonita oficina, verdad? No se engañe, porque puede ser el ¡¡mismísimo infierno!!!!!!!

El diseño gráfico deberá ser denunciado ante la Corte de las Ilusiones Laborales, como el caso de publicidad engañosa más extremo que se haya podido documentar.

Trabajar es feo, hay quienes afirman, que hasta ajeno a la naturaleza humana. Por esa razón, los niñitos de clase media (porque lo pobres ni pueden cuestionárselo y los millonarios nacen con el oficio del papá), nos preguntamos cuál puede ser la ocupación menos horrible y mejor pagada. Claro está que como el resto de jóvenes idealistas, convencidos de cambiar el mundo y con menosprecio hacia quienes ya son presa de la monotonía de una profesión, creemos que somos inmunes a remadrear la hora de levantarse para ir al brete.

Ahí es donde se cruza en el camino de los ingenuos ojos, el anuncio de cigarrillos Free, con una chica de aires hippies (pero de plata), revelando fotos y enseñándoselas a su novio modelo de Calvin Klein. Tom Cruise y Leo Di Caprio, se ligan güilas haciéndoles retratos en cuestión de minutos. En Noches de Climax, un exitoso diseñador toma como exótico escenario para su encuentro sexual, su maravilloso estudio salido de revista El Mueble. Este último ejemplo, según indica una encuesta publicada en el 2004 por la Revista Newsweek, sigue siendo la fantasía que mayormente ocupa a los futuros artistas.

Entonces todos los sueños se vierten en un solo objetivo. Un par de años más tarde, la sabrosa pisonga en la elegante oficina, está sólo a unos cuantos macarrones pegados con scotch y una redacción sin sentido en alguna escuela bohemia. Mientras dura su preparación, la verdad no se pasa tan mal. Se puede tomar guaro en el techo y la mitad de las clases hasta tienen acompañamiento musical en vivo

Cinco años después, todo parece fácil. Sale por la puerta de algún auditorio, título en mano y procede a cruzar la calle. Ahí el ascensor lleva al recién graduado a la ansiada, sí señoras y señores, la más añorada por todos, oficina de creativos y diseño. No es tan privada como la de Noches de Clímax, pero la verdad se ve muy glamorosa. Todos visten bonito y es innegable la originalidad de los dibujos y mensajes de sus camisetas. Además, a la hora del almuerzo, hasta existe el chance de aumentar el apetito con un puro de mota como aperitivo. También hay opción de fumárselo a la salida, pero es que la hora de terminar a veces parece no llegar. Montañas de tareas se amontonan junto a la computadora y los tres logotipos, que según parece son de irrefutable calidad, se desechan cuando una viejita coordinadora del Centro para la Promoción de Técnicas Avanzadas en Tejido Artesanal, dice que tiene más color y belleza un muerto. Luego, no falta que el jefe, aunque también use camiseta cool y hasta le haga a la mecha, termine siendo una rata apestosa.

La mujer atractiva que se quería coger encima del teclado o la mesa de luz, tendrá que esperar al ascenso que permita acceder a una oficina y no un cubículo (el cubículo es de Bo Concept, eso sí). Poco a poco, las ganas de cambiar el mundo van mutando en ganas de matar a alguien. Siguiendo la irremediable sucesión de negación, odio y resignación, pensar que al menos al frente hay un bar que cierra a las 3 a.m. ya es un consuelo.

La presión es tanta que surge la imperante necesidad de migrar a otra agencia. Tal vez el cambio de viejecita chocha que rechaza logotipos proporcione algún respiro. Qué va. ¿Porqué en la propaganda de cigarrillos Free no advierten que diseñar involucra tener clientes? Mierda.

Entonces, ser peón o mesero, profesiones no tan cotizadas y jamás consideradas por los ¿guionistas? de Noches de Clímax, hasta parecen atractivas. El desalentado diseñador, prueba unos meses en tareas que no requieren más allá del impulso mecánico, pero aunque por algún tiempo parece hasta exótico, sabe que tampoco es un escape permanente.

La siguiente opción, luego de haber peregrinado por todos los estudios de diseño posibles y el haberse entregado a la vida ermitaña, es irse a otro país. No en vano un montón de gente arriesga el pellejo para irse a Estados Unidos. Tal vez a varias horas en avión la ya no tan llamativa ocupación que escogió, tenga alicientes extras que disimulen la explotación y el tedio de rozarse con gente tan bien vestida y peinada. Allá en Europa, tal vez el concepto de convivencia creativa, considere la asignación de oficinas individualizadas. Quizás ahí se rompa el nefasto ciclo de aburrimiento y decepción. Quien quita y cambiando de escenario y elenco, al fin se materialice su único y verdadero sueño: fornicar sabroso como en Noches de Clímax.

Orange, me vas a hacer falta.

The Giant Buddhas

2007-05-15T13:19:00.000-06:00

Advertencia: Este comentario me quedó medio sentimentaloso, ni modo.

El documental the Giant Buddhas de Christian Frei, trata de cómo en el 2001 los budas de Bamiyán ubicados en lo que hoy es Afganistán, fueron dinamitados por talibanes. Estas obras son parte del esplendor técnico que la escuela de Gandhara llegó a tener en su momento (siglos IV – V), implementando la famosa escultura labrada directamente en la montaña y de proporciones gigantescas que caracterizó una parte del budismo. Las figuras más famosas corresponden a dos budas que alcanzan más de 30 y 50 metros. Igualmente, tras ellos y como fue común en la arquitectura india, dentro de la montaña se excavaron gran cantidad de templos con muchísima decoración esculpida y pintada.

A diferencia del cristianismo o hinduismo, los musulmanes no solamente se niegan a aceptar representaciones de deidades (son iconoclastas) sino que jamás han ocultado su repudio hacia esa práctica. El documental narra como la famosa destrucción, exacerbó los ánimos de quienes promueven la conservación de patrimonios culturales. Propios y ajenos, cuestionaron una acción extremista y fanática, prácticamente un berrinche de tinte más político que religioso, aunque fue este último el supuesto detonante de tan condenable acto.

Lo increíble de Frei en esta obra, es su capacidad de adentrarse en las verdaderas implicaciones de este hecho. No se limita a describir la indiscutible pérdida material que supone la destrucción de monumentos de varios siglos de existencia. Detrás de la lucha, mezcla de poder y ego, tras el conflicto cultural entre los talibanes y los defensores de los budas, paralelamente se describe la miseria de los afganos víctimas de la guerra.

Para Frei, el verdadero conflicto, ajeno a la política o la religión, es el de carácter ético. Nadie pone en duda lo valioso de obras arquitectónicas tan antiguas y lo que representan: un estadio histórico, algo que logró sobrevivir enfrentamientos bélicos y fanatismos religiosos violentos, un fragmento del pasado capaz de fomentar el arraigo y la memoria cultural. Pero ¿cuál es la jerarquía del arte? ¿Delante o detrás de qué debe ubicarse en un listado de prioridades? Cuando se observa la indignación de la UNESCO por la indiferencia talibana hacia la grandeza del propio patrimonio, esta no se diferencia en casi nada a la indiferencia que la UNESCO tiene para quienes viven cerca de ese patrimonio y pareciera, están por debajo de él.

Todo ese esfuerzo y despliegue de protestas (que al final fue infructuoso), contrasta con la humilde familia que tras un par de generaciones habitaba dentro de uno de los nichos de la montaña. Luego de las detonaciones que derribaron los budas y falsearon las estructuras, más la ocupación militar alrededor de esa zona, se vieron obligados a abandonar lo que hasta ese momento era su casa. Mucho más empobrecidos y completamente ignorados, fueron desplazados a un área de escasez de agua y dificultad para conseguir víveres.

Alrededor de las excavaciones y posterior intervención de grupos de conservacionistas y arqueólogos, deseosos estudiar y reconstruir las ruinas, decenas de afganos suplican por un trabajo en las obras y el chance de ganar un par de dólares al día.

Nuevamente, es necesario preguntar si el arte por sí mismo, debería ser lo primordial, o al menos, si es ético que se encuentre encima de las necesidades básicas de un ser humano.

Frei plantea esta y otras interrogantes de manera velada y sutil, con una narración fluida lejos de la sensiblería o el discurso de panfleto.

El documental termina con la arqueóloga afgana Nelofer Pazira, frente a los monumentos destruidos. Desde su casa en Canadá, ella sólo conoce a los Budas de Bamiyán por borrosos recuerdos de su niñez y las fotografías de su padre. Una vez frente a sus ruinas, rompe a llorar, quizás de cólera, impotencia y tristeza, esa espantosa mezcla de sentimientos difíciles de describir ante lo errático y su difícil solución. Agria metáfora de la incapacidad humana por resolver su propio desastre social, moral y material.

Feminismo panderetiano, vegetariano ecologista

2007-04-24T08:38:00.000-06:00

En el cine Variedades, una actividad religiosa se llevaba a cabo un sábado en la mañana. De la puerta principal, sale una mujer y me grita: -¡Oiga muchacha! ¡Entre para que pueda cambiar su vida!-

La ignoro y sigo mi camino. Un par de cuadras después y con algo de efecto retardado, pienso coléricamente para mis adentros -¿Y quién dice que yo quiero cambiar mi vida?… ¡Maldita vieja!!!-

Publicitar a gritos las reuniones de una comunidad religiosa, quizá sea parte de lo que muchas personas consideran una filosofía de vida óptima. Démosle el beneficio de la duda a esta mujer, y digamos que ella no pertenece al complicado sistema piramidal de salvación de almas, sino que la mueve una absoluta convicción y buena fe, junto con un imperante deseo de comunicar su felicidad a los demás. Bien lo dice el dicho, que de buenas intenciones, están llenos los infiernos. Por más genuino espíritu de caridad, esta persona no repara en su discurso pésimamente maquinado. Este es llamativo y radical, cual televentas donde los problemas se resuelven de la noche a la mañana, pero si se analiza bien, es insultante y contraproducente. “Cambie su vida” significa más o menos “su vida es mala”. Como es lógico, el sentido común dicta huir de los agravios. ¿Se puede confiar en un desconocido, que osadamente cuestiona las bases de nuestra actual existencia comparándolas a un compilado de miserias y malas decisiones?

Esa forma tan particular y nociva de comunicar un mensaje no es exclusividad de los fanáticos religiosos. En ella están contenidos el vegetariano que nos profetiza quinientas enfermedades diferentes y un espíritu maligno si nos ve masticando una chuleta o el activista ambiental que sermonea a un dependiente por echarle sus compras en una bolsa plástica. Todos ellos de una forma u otra nos dicen “cambie su vida”, y de rebote, “sea como yo”. Indistintamente de si su mensaje es errado o veraz: ¡Cuánta prepotencia!

De los movimientos y gremios desgraciadamente siempre vemos lo peor o lo que es lo mismo, lo que menos los representa. El activista serio, trabaja por su causa de manera firme pero respetuosa. Jamás saldrá a la calle armado de palabras hirientes acometiendo contra todos los pobres que tengan la desdicha de cruzarse en su camino, exigiéndoles torpemente “cambiar de vida”. Probablemente usará métodos más considerados. Es por esa razón, que rara vez sabremos de él. Como en un aula de niños, la atención siempre se centra en el más revoltoso y no en el que mejor se porta.

Sirva este preámbulo como introducción sobre temas de feminismo. Este es parte de esos grupos tipo “pandereta, vegetariano, ecologista”, a los que con sobrada razón, la gente ve con cautela y desconfianza.

El feminismo, no tiene en su definición, nada del otro mundo. Es aquel movimiento que exige para las mujeres iguales derechos que para los hombres. Hasta hoy, la igualdad, sigue siendo una premisa muy válida. Sin embargo, también ha sido el estandarte que encabeza una serie de tergiversaciones y protestas injustificadas. Tal vez el caso más patético, la reciente aprobación de la "Ley de penalización de violencia doméstica", que encima de inútil para resolver el problema que denuncia, parece confirmar el estereotipo de sexo débil achacado a las mujeres, porque al parecer, legalmente, ellas necesitan trato preferencial.

Los mensajes relacionados a este tema, que pudieran aparecer una que otra vez dentro de este blog, de ninguna forma pretenden ser un regaño o reclamo. Tampoco serán una condenatoria exhortación a cambiar de vida. Serán meras disertaciones, con la única justificación de abrir una puerta a la comprensión de algunas experiencias de tipo personal y en general, a las vicisitudes de muchas mujeres que no se ajustan a patrones convencionales. El objetivo es juntar ideas para proyectos artísticos futuros.

Más allá de los estigmas que carga cada género, lo idóneo sería poder, como seres humanos, decantarnos por lo que más nos agrade sin tener que cuestionar si aquello es inherente al azar del sexo que nos tocó. Sin embargo, hasta que el género deje de ser una incomodidad que condicione nuestros comportamientos y estilo de vida, la búsqueda de esa igualdad seguirá siendo necesaria y la forma de aprehenderla será la educación y la perspicacia de no tolerar con resignación todo lo socialmente aceptable. Es en este sentido, que deseo abordar en el futuro, tan escabroso tema.

Este es un mensaje patrocinado por la ASFEVEG, donaciones BCR 198634-6, BNCR 20715-1.

Un proyecto de Nación

2007-04-08T22:08:00.000-06:00

El corrector de Word conspira contra mí. Resumo mi libro y de repente, complicados nombres indios (complicados para mí), ya no lo son tanto. Me encuentro con que Rammohan es Ramona y Mohandas es monadas. Este último es realmente grave porque titular un ensayo como "Monadas Gandhi" no me supondrá una buena nota.

La heterogeneidad cultural de la India es la constante permanente cuando se pretenden establecer las claves que ayuden a entender a este país. Su identidad nacional es por lo tanto, algo difícil de ordenar y categorizar.

La India es de un acento marcadamente religioso, pero cuando se intenta homogenizar la visión de sus pueblos, la manifestación de una fe no solamente es insuficiente, sino que resulta en fuente de conflicto. En territorio indio convive el hinduismo y el islamismo, y en menor escala budismo, judaísmo, cristianismo, jainismo, sikhismo y zoroastrismo. Aunque el hinduismo se profesa masivamente con respecto a los demás credos y a pesar de ser naturalmente tolerante y carente de un espíritu evangelizador, esto no ha evitado una sucesión de conflictos con el matiz religioso de fondo.

El idioma ha sido otro agente condicionante de enfrentamientos o bien, como es lógico, de dificultad comunicativa. La India posee actualmente como idioma oficial el hindi, pero igualmente lo es el inglés, siendo con el que la mayoría de la población se comunica. Existen también veintiún idiomas considerados oficiales y cientos de dialectos. Debe entenderse la lengua, como un elemento con el que se establece identificación y familiaridad y en el mar de voces, ¿cómo agruparse con quien no se comprende? Paz intuye la pluralidad de idiomas en la India, como metáfora de diferencias religiosas y políticas.

También establece una analogía de toda esta inmensa diversidad en un apartado llamado “Ayunos y festines”, donde compara la gastronomía india con su desarrollo histórico. La hora de comer para el indio, es un inmenso plato lleno de sólidos y húmedos, una invasión simultánea de decenas de especies, así como todos los guisos servidos de una sola vez. Tal y como se demuestra en la permanencia de las ideas del invasor y el visitante, la adherencia de contrastantes rasgos étnicos y religiosos al gran volumen multicultural que caracteriza a ese país, la historia india no es una sucesión de eventos o situaciones culturales ordenadas y espaciadas por una rígida cronología lineal, sino, una coexistencia de todo a lo que ha estado expuesta, capaz de absorber y no de desplazar.

Difícil es, entonces, amarrar toda esa desemejanza o más bien, abundancia, para hacerla apuntar hacia una misma dirección de ideales comunes, bajo lo que Paz define como “un proyecto de nación”.

Vislumbres de la India, de Octavio Paz

2007-03-24T10:47:00.000-07:00

¿Alguien lo ha leído?

Antes que pierda el pedazo de Teleguía donde hice mis primeras anotaciones, esbozo los primeros “ensayos” de mi futuro ensayo sobre esta obra.

En los años cincuentas, Octavio Paz funge como diplomático del gobierno Mexicano. Es en 1947, gracias a la recién conquistada independencia india que México establece relaciones con ese país, necesitando entre otros, a un segundo secretario en su embajada. Este cargo es asignado a Paz.

Con la descripción de su vida hasta ese momento como residente en París, el viaje que lo llevará hasta Delhi y los pormenores dentro de la diplomacia, el autor comienza a descifrar los rasgos más sobresalientes de la India, sus particularidades culturales, sociales, históricas así como su complejidad, intentando ayudar a entender un país marcado por la diversidad y el contraste.

Es notable dentro de sus primeras acotaciones, la descripción de una serie de analogías entre el paisaje indio y el paisaje y contexto mexicanos, dando la premisa que la historia se forja sobre ejes comunes indistintos del área geográfica.

Conforme se avanza en la lectura, Paz adquiere un acento casi didáctico. El autor, desde su formación, intenta explicar al occidente la complejidad que suponen para sí, las diferencias y concepciones propias de la India, para aquellos que crecimos con su misma visión de mundo. Él busca ser una especie de traductor para aquel sesgado por la estructura de pensamiento cristiana/occidental.

Octavio Paz también se ocupa de las afinidades literarias de sus personajes, describiendo el acervo cultural que los influenciaba.

Como otros escritores, entre ellos Eduardo Galeano o Yadira Calvo, Vislumbres de la India tiene el rigor y el aval de la investigación objetiva pero matizada con la prosa de quien se dedica a la literatura y la poesía.

arte conceptual + (be) rrinche : Landings 4

2007-03-18T09:21:00.000-07:00

Prólogo. La semana pasada una nueva empleada fue contratada en mi trabajo. Mi deber era supervisarla. Luego de una pequeña charla inductiva todo parecía estar claro y de ahí en adelante, aquello era cuestión de seguir instrucciones muy sencillas, propias de la labor de un dependiente. Días después, quedaba claro que la muchacha no gozaba de todas las aptitudes para el puesto. En franca vagabundería, evadía la razón principal para la cual fue contratada, atender clientes, y recargaba sus funciones en otras personas. Yo por una hendija de la puerta la observaba haciendo sus toques o más bien, sus omisiones. Luego, ya no necesité esconderme, ya que monda y lironda le daba igual que la contemplara en el esplendor de su desobediencia. La gota que derramó el vaso fue cuando un día, por un lapso de quince minutos no entró ningún cliente y durante ese tiempo, conversaba alegremente bien sentada con otra compañera. No fue hasta que entraron unos potenciales clientes por la puerta, cuando nuestra heroína agarraba su carterita de cosméticos y salía en pronta carrera hacia el baño. Por supuesto, cuando salió, le llamé la atención y le hice ver que noté que ella había pasado largo rato ociosa y no fue sino hasta que se avecinaba algo de trabajo cuando casualmente se le ocurrió irse. “Es que yo padezco de incontinencia”, me dijo. Furiosa con el dudoso pretexto pero tratando de conservar la cordura, repliqué, “¿y la incontinencia también hace que usted atienda mal a los clientes?”. Ignorando todos los acontecimientos que precedieron ese incidente, una muchacha que observaba cosas en las vitrinas no pudo contener mirarme con ojos de reprensión, ya que en ese momento confirmé al horrible ogro que todos los jefes llevamos dentro, incapaz de compadecerse de la condición médica de una pobrecita empleada.

Ese instante resumió la relatividad de cómo vemos los sucesos, donde se da por un hecho el rol que estereotipadamente todos representamos en la vida, según el camino que hayamos elegido o que nos tocó.

El arte se supone es la herramienta que permite decir y hacer cosas en un lenguaje novedoso. Lo idóneo es que lo que se diga o haga, no corresponda a lo convencional y al lugar común, porque de eso hay demasiado. Landings 4 es la nueva exposición del MADC. Corresponde a un ciclo de muestras que agrupan diferentes artistas de Centroamérica y México. Landings, en inglés tiene una página en internet llamada www.landingsprojects.com, también en inglés.

Landings 4 es la versión número millón doscientos del llanto. La empatía con el mensaje quejumbroso en el arte no creo que sea una exclusividad latinoamericana, pero ciertamente parece ser el estandarte más cómodo cuando se quiere decir algo con aparente determinación.

En algún momento de la historia del arte costarricense, representar el entorno, como en los grabados y óleos de corte costumbrista, dejó de ser deseable. Dicen que era un arte que satisfacía a una clase privilegiada. Pero atrás quedaron esos tiempos y ahora la denuncia es la moda. Muy a pesar de la sofisticada onda conceptual y la atmósfera de élite intelectualoide, en el universo local del arte, donde Estados Unidos encabeza la lista de demonios, irónicamente todo es equiparable una tonta película de Hollywood, reduciendo las relaciones humanas a un puñado de malvados y otro tanto mayor de víctimas oprimidas. Ahora es otra clase la que se regodea.

Hay en una de las salas, la número 4, una obra de tipo escultórico. Una plataforma rectangular, emula una maquila, con unos muñequitos muy corrongos, cada uno con una maquinita overlock divina. Están dispuestos en filas y bloques. Separando estos últimos, un espacio vacío con una miniatura que representa a un supervisor. En una zona relativamente alejada de esa obra hay un monitor, y ahí, puede observársele.

No niego que está ingenioso el detalle de la cámara y que los bichitos esos son muy lindos, pero la moraleja de su mensaje me parece una reverenda mierda. El control y las reglas son necesarios para la eficiencia. Esos mismos que defienden acérrimos los derechos del proletario, humillado y vejado por su patrón, son los mismos que después hacen un blog y mandan cartas a la columna en La Nación para quejarse no sólo de ese insolente obrero que tuvo la osadía de maltratarlos, sino del mediocre administrador que no los pone en su lugar. ¿Entonces, en qué quedamos?

El anterior es sólo un ejemplo de cómo los panfletillos o disertaciones de trovador setentero, se pretenden hacer pasar por obras de arte con mensajes transgresores. Hace falta examinar objetivamente lo que se quiere decir, para no incurrir en el mismo error del cual se acusa al enemigo, sólo que desde la óptica del bando contrario.

Desde la subjetividad de mi gusto y la queja a estarse quejando constantemente, aclaro que no deseo exposiciones con exclusividad de mensajes lindos y positivos. Mi indignación proviene del hecho de ver, que toda la denuncia que ha llegado hasta mí últimamente, es parcializada y torpe. Si de deprimirse se trata, encuentro más encantador el pesimismo descorazonador puro, llano y simple, sin culpables.

Samsara

2007-03-16T15:23:00.000-07:00

El curso de arte oriental demanda hacer una crítica de Samsara (2001), película india dirigida por Pan Nalin.

Samsara, según el Diccionario de la Real Academia, se designa como el “ciclo de transmigraciones o de renacimientos, causados por el karma”.

Puede contener detalles reveladores del argumento

Tashi, un joven lama, tras un período de aislamiento retoma la vida en el mundo exterior. En este mundo se enfrenta a dos realidades paralelas, una, la vida religiosa regida por claras normas y la otra, la existencia cotidiana de corte más mundano. Con el despertar sexual del joven, surge el detonante de una serie de cuestionamientos hacia el destino previamente trazado para él como parte de una comunidad religiosa. De repente, la espiritualidad se confronta a lo terrenal, sin que haya un punto intermedio de convivencia.

La película intenta desmitificar la religión ahí representada, proponiendo un personaje más humano, curioso, capaz de dudar o rebelarse. Èl finalmente se decanta por abandonar el monasterio e inicia una nueva existencia como agricultor, junto a una esposa y más tarde un hijo.

La curiosidad por lo que no se tiene a la total disponibilidad parece ser la constante en el relato. En algún momento, Tashi va con su suegro a la ciudad y este regresa lleno de vestimentas y accesorios modernos, relativamente ajenos al poblado donde ellos habitan. Lo que no se conoce, parece ser un imán exótico que deslumbra por novedoso.

La mujer parece ser el elemento de discordia y tentación, especie de desencadenante que altera el orden establecido. Así, luego de saciar la atracción que la enigmática inmigrante india y empleada de su esposa, despertó en él, Tashi, revierte sus cuestionamientos al impulso inicial que lo empujó a seguir una vida laica, dudando nuevamente y preguntándose si el camino que eligió era el correcto. Así, el ciclo parece repetirse una y otra vez, siendo la vida de Tashi un ejemplo de cómo el peregrinaje por las diferentes etapas de la vida y la experiencia, inevitablemente terminan siempre justo donde comenzaron. Sin embargo, cabe destacar que en Samsara, para el personaje principal lo anterior no se intuye como un proceso natural o aceptable. Tashi, es incapaz de decidir cuál es el rumbo correcto y satisfactorio, viéndose atormentado por la culpa y la indecisión.

Es quizá el karma, propio del Samsara.

Dibujos en la Galería Nacional

2007-02-23T15:24:00.000-07:00

Hace unas semanas, se inauguró en la Galería Nacional del Museo de los Niños, una exposición colectiva de dibujo. Entre los expositores están Keylor Alfaro y Carlos Kidd, compañeros y profesores de anatomía artística y dibujo de la escuela de Artes Plásticas.

Los dibujos están dentro de la línea de estudio con modelo (salvo un par que se inclinan por la ilustración) y es un buena muestra para conocer el estilo predominante en los cursos de dibujo que ahí se imparten.

Cuando alguna vez estudié música, mi frustración era grande por no poder leer partituras a primera vista y siempre admiré a quienes lo lograban. Keylor y Carlos son el equivalente a una lectura a primera vista pero dibujando. Estructuran y dibujan con tal soltura, que lo hacen parecer fácil.

Yo por dicha, nací en la era de la fotografía y las bondades del diseño digital.

¿Fundamentos de oceanografía?

2007-02-13T18:57:00.000-07:00

Para ser licenciado en alguna especialidad de Artes Plásticas, aparte de obviamente presentar un proyecto para tal fin, se deben llevar una serie de cursos complementarios para llenar un creditaje.

Como parte de mi plan de este año es comenzar la licenciatura en grabado, mi primera idea fue matricular cursos de historia del arte que ayudaran a mi formación. Pero no, averiguando me han dicho, que estoy en posibilidad de matricular cualquier curso siempre y cuando no sea de mi escuela. Es decir, que posibilidades tengo muchas, entre las cuales figuran:

- Introducción a la economía
- Panorama del socialismo contemporáneo
- Problemas ecológicos
- Principios de ciencias políticas
- Educación sexual
- Fenómenos atmosféricos
- Idiomas varios

Mi gran y terrible duda, es si en otras facultades (las de a de veras), la designación de esos cursos es tan azarosa. No me imagino a un ingeniero civil asistiendo a clases de educación sexual mientras hace su tesis sobre temas de planificación y urbanismo. Quisiera saber si las demás escuelas tienen cursos específicos recomendados para su área y carecen de tanta "libertad".

Liliana Porter

2007-01-22T16:33:00.000-07:00

"Dibujando con martillo plástico", 1993.

"Ojos azules", 2000.

"Su principal material de trabajo son juguetes, muñecos y fotografías. Indaga en las paradojas de la representación yuxtaponiendo de manera irónica estos elementos y creando entre ellos un desconcertante diálogo. Con ésta técnica, obliga al espectador a adentrarse en su trabajo".

Hay una de sus obras en el Museo de Arte y diseño contemporáneo, como parte de la muestra Estrecho Dudoso.

"Trabajo forzado V", 2005.

Francolín, cotorro y coturno

2007-01-12T14:35:00.001-07:00

La imprenta moderna usa la litografía offset. Con esta técnica de impresión, el diseñador puede diseñar digitalmente con toda libertad, usando dibujitos de colores, diagramaciones de fantasía y un sin fin de coquetos recursos. Pero hubo un tiempo en que el panorama no era tan flexible, generoso y fácil. La reproducción de libros por medio de tipos móviles fue usada con bastante frecuencia hasta hace muy poco.

Ahora la onda es ponerse nostálgico y fijarse en el exotismo del pasado. "Moda retro" le llaman. De dicha tendencia, lo más curioso parece radicar en aquel viejo dicho que reza "todo tiempo pasado fue mejor". Por alguna razón siempre la tecnología se ha satanizado, siendo culpable de convertir el oficio de unos pocos elegidos en dominio de las masas. Visiones más románticas afirman que la modernidad es sinónimo de impersonalidad y que es más placentera y cercana una carta a puño y letra que un correo electrónico, por ejemplo.

El caso es que si hay algo propio del pasado, es ese toque de rusticidad. Este sólo salta a la luz cuando se compara con su equivalente moderno, y simplemente no es ni mejor ni peor, es tan sólo una cualidad estética muy suya, para algunos, encantadora.

Ojeando el Diccionario de la lengua española, de la Editorial Científico Técnica de la Habana, edición 1985, es imposible ignorar las ilustraciones sencillas, monocromáticas, de líneas simples y el contraste con las de de diccionarios recientes, que básicamente usan fotografías.

"¡Amarrate esos coturnos, que te vas a caer!!!"

Si algún amigo se refiriera al perico de la casa, como "mi cotorro", es probable que me dé un poco de risa.

Fama, aunque sea sin fortuna

2007-01-10T19:16:00.000-07:00

Es muy posible que quien les escribe, no sea precisamente la estrellita más brillante del firmamento, pero bien dicen que sabe más el diablo por viejo que por diablo. Es por esa razón que el reencuentro con las groserías gratuitas de un profesor y la preconcebida subordinación a sus observaciones, me hicieron sentir como trapo viejo. Sin embargo, como buen descubrimiento estilo libro de autoayuda, en cierta forma la mala experiencia ha traído algo positivo y ha despertado en mí la búsqueda de un giro, un nuevo horizonte.

Muchos afirman con humildad, que entre más estudian, más ignorantes se perciben. Por muchas razones la universidad es una ambiente importante que quizá nunca abandonaré, tal vez la principal, porque genera un contraste tajante con la vida laboral, que en mi caso, es bastante peculiar. No temo admitir que jamás he tomado en serio el estudiar grabado. Lo prueban los más de diez años que me tomó graduarme en esta especialidad. Grabado es un pretexto que me permite asirme al extraño mundo paralelo que constituye la facultad de Artes Plásticas, pero esa es otra historia que algún día describiré con detalle.

Siempre he tenido claro que dedicarse al grabado no es precisamente la puerta más efectiva para convertirse en millonario. Tiene más posibilidades de redituar su esfuerzo, algún enérgico asistente a cursos de madera country o el experto en armar muñecos de foam. Es en esos momentos de relativa lucidez, donde me visualizo cual señora bien pintando y dibujando por puro pasatiempo, por gozar de algún ingreso decente y un poco de flexibilidad de horario.

El azar y la buena suerte, me mantienen colgando aquí y allá un cuadrillo en alguna exposición, pero es quizá mi bajo perfil el que, según se me lanzó a la cara en la desagradable evaluación de los quintos años, lo que nunca me ha permitido el sacudirme la etiqueta de estudiante y la incomodidad de ser encasillada por default, en la sección de quienes adolecen de credibilidad. Los "pollos" que llaman.

Así el propósito académico 2007 se centra en buscarle hogar al combo de camisetas pro religión pop de reciente elaboración y participar bombetudamente en cuanta convocatoria salga por ahí. Este año, empieza la búsqueda del muy relativo reconocimiento. A ver cómo me va.

Pasito tun tun

2006-12-23T16:42:00.000-07:00

Ahí donde ahora está este pasito, solía estar la soda de Artes Plásticas. Empezó siendo la cuna de las empanadas más deliciosas de toda la UCR, luego, por reveses administrativos, pasó por un reinado de terror gay para más tarde, ser sustituida por una máquina de café con cuca.

Feliz Navidad, les desea Lachi.

Camisetas y calzones

2006-12-17T13:42:00.000-07:00

Proyecto, "El hábito sí hace al monje", Vestíbulo de la Facultad de Artes Plásticas, 1 de diciembre del 2006.

Concebido como una instalación pequeña, el proyecto recrea un espacio comercial con percheros y maniquíes.

Luego de la recolección de imágenes, tanto religiosas como supersticiosas, se optó por trasladarlas a objetos cotidianos, que en este caso son prendas de vestir, llevando al límite la concepción de los elementos estudiados como llanas mercancías, para desmitificarlos o bien, arrancarlos de su perfil de subcultura. El hecho de exponerlos como obras artísticas en un espacio concebido para tal fin, abre la puerta al concepto del ready made y su cuestionamiento sobre el objeto común y la sátira de sus posibilidades dentro del arte. La ropa, la religión y los agüizotes comparten al tiempo que son arrancados de su contexto y la seguridad que este les da, más que para poner en tela de duda su veracidad, el ilustrar que todo puede ser interpretado más allá de su significado tradicional.

Las imágenes utilizadas, no sufrieron ningún proceso de estilización drástico, ya que su interpretación se basa en el soporte donde han sido impresas más que la manipulación gráfica de estas por sí misma. Se trató de conservar su literalidad, hasta donde el aspecto técnico lo permitió, para hacerlas fácilmente reconocibles y poder comprender la artificialidad del entorno en que fueron inmersas.

Cuando el proyecto dio sus primeros pasos, utilizó varias premisas. La más importante fue el disertar sobre una característica generalizada en todos los estratos sociales. La tendencia hace que se discrimine al del estrato inmediato inferior y se polaricen los comportamientos, ya que se excluye todo lo que el grupo social al que se pertenece considera indeseable y vergonzoso. Cuando se estudia la religión y los fenómenos supersticiosos y se cae en cuenta que provienen de motivaciones comunes, se intenta reconciliar lo tradicionalmente antagónico como forma de crítica a la intolerancia. Además, como ya lo hizo el arte pop, y otros artistas y autores costarricenses preocupados por interesantes rasgos de cultura popular, se trata de elevar a la categoría de obra artística, lo cotidiano, y todo aquello que por la costumbre pasa desapercibido y es minimizado por su accesibilidad.

Bambi

2006-12-14T14:50:00.000-07:00

Bambi Meets Godzilla

Hace muchos años, canal 15 era el proveedor de muy buenas películas y cortos interesantes. Dios bendiga a youtube, en donde volví a encontrar esto.

Millonario y salvo

2006-12-12T11:37:00.000-07:00

Atolondradas almas juveniles y pecadoras en el Matsuri 2006.

Amway es una empresa dedicada a comercializar una gran cantidad de productos por medio de agentes vendedores. Un día, un conocido llegó a hablarme sobre la gran maravilla que representaba el pertenecer a este exclusivo sistema de ventas y nos invitó a participar en un seminario informativo. El hombre encargado de la charla, enfundado en un elegante traje entero, alto, de voz enérgica y muy sonriente, comenzó su discurso con una frase tentadora -“Ser millonario es fácil”-. Varias anécdotas y ejemplos después, Amway dejaba de ser una alternativa para redondear las ganancias de una persona corriente con un salario promedio, para convertirse en la única solución para surgir económicamente y ganar prestigio. Eso sí, no era suficiente conformarse con el paquete de 14.000 colones (de aquellas épocas), con un champú, un jabón, un desinfectante y un portafolio, sino que las recomendaciones de la empresa se orientaban a darle cacería a cuanto amigo, familiar y conocido se tuviera cerca, en virtud de escalar dentro dentro de la pirámide de ventas. La masiva afiliación de personas le garantizaría al novato la posibilidad de llegar a ser un admirable socio “esmeralda”, “perla” o “diamante” y según las palabras del orador, el tener ganancias similares a las de un potentado multimillonario, pero sin la terrible incomodidad de esforzarse excesivamente.

Muchos años antes, una compañera del colegio, me revelaba el gran secreto para alcanzar la vida eterna. Biblia en mano, me sometía a una especie de curso de inducción, donde el paquete incluía la lectura de unos versículos subrayados en marcador verde fosforescente, seguidos de una oración. En cuestión de minutos, fácilmente mi alma requete pecadora (porque a los 14 años es definitivo que se han cometido todos los pecados posibles), fue redimida y salvada de retorcerse en terribles llamarones infernales. Eso sí, mi compañera dejó claro que en gratitud a tan especial dádiva, debía repetirle el mensaje que acababa de recibir al resto de la humanidad, porque hacerlo me garantizaría un puesto más cercano a Dios y entre más almas salvara, mayor recompensa iba a obtener. Mi misión desde ese día, debía enfocarse en llegar a ser una especie de "socio diamante" versión celestial.

Ya viéndolo desde lejos, el champú no estaba tan feo y el discurso cristiano me sirvió para excusarme de algunas clases de religión en el colegio. Pero más allá de estos beneficios, esas experiencias me enseñaron a comprender porqué en cualquier autobús, fiesta, reunión o evento de animé, siempre existirá la posibilidad de encontrarse con alguien tan amable como insistente, deseoso de ofrecerle una membresía de Amway o una afiliación vitalicia al paraíso. Detrás de ofertas tan jugosas, como convertirse en ricachón o santo de la noche al día, siempre surge la sospecha. Así, por extraño que parezca, habrá algunos capaces de declinar tan atractivas invitaciones únicamente por el gozo de tener un trabajo convencional o bien, sortear el chance de quemarse en las llamas del infierno, sólo por disfrutar del esfuerzo que conlleva, ejercer el tan preciado derecho a elegir.

Dios ¿porqué eres omnipresente?

2006-12-11T10:22:00.000-07:00

Culto evangélico en Matsuri 2006, Costa Rica

Este es un video tomado el 10 de diciembre del 2006 en un evento en el Cenac, dedicado, créanlo o no, a la promoción del animé y el manga.

Es inconcebible.

El hábito sí hace al monje

2006-12-05T16:49:00.000-07:00

Resumen medio trompicado. La navidad afecta mi redacción.

El proyecto aborda la interacción de dos grandes conceptos, siendo estos, el sentimiento religioso popular y las prácticas supersticiosas.

Se parte del hecho de ser Costa Rica un país cuya religión oficial es el catolicismo. La autoridad que esta condición le otorga, inevitablemente ejerce su influencia sobre las costumbres y formas de pensamiento del ciudadano en general, a través de sus diferentes manifestaciones: el ritual de la misa, el cumplimiento de los mandamientos y sacramentos, las encíclicas o aquellas cualidades humanas que la Iglesia proyecta como deseables. Es fundamental estudiar la dinámica generada a partir de la convivencia de la religiosidad oficial con la religiosidad popular y la relación dialéctica que opera entre ambas.

El tema de la superstición entra en juego cuando dentro de la forma general de definir el término “religión”, se alude al de “sobrenatural” y la relación con el término “magia”, relativamente opuesto y ajeno al primero, salta a la luz. En ambos casos hay referencia al acto de creer en un dios o ser superior. El cómo se manifiesta esta creencia y las estructuras de pensamiento en que se basan, evidencian el punto común que motiva a los protagonistas de estos dos ámbitos: la fe. Es aquí, donde se puede hablar de un fenómeno sincrético que involucra la dualidad religión / superstición y que espontáneamente ayuda a la religiosidad popular a aprehender los elementos paganos y al paganismo a nutrir su discurso con los elementos más representativos del catolicismo.

James Frazer en “La Rama Dorada” esboza una categorización de la magia útil para este estudio. El autor destaca la magia homeopática, donde “lo semejante produce lo semejante” y la magia contaminante, donde se presume que los elementos que estuvieron alguna vez en contacto continúan estándolo. Ambas formas de razonar el fenómeno mágico, se aplican activamente a los acontecimientos religiosos, a través de hechos milagrosos o atribuciones sanadoras a una divinidad.

Por tal razón, resulta curioso que a pesar de tales semejanzas, a nivel social las prácticas supersticiosas y religiosas se encuentren polarizadas. La religión católica, avalada por el Estado, se encuentra dentro de un rango de oficialidad y aceptabilidad y no teme condenar abiertamente las prácticas supersticiosas, relegándolas a una situación de asocialidad y reprobación. Así, es frecuente que a pesar de la popularidad y extendida práctica de todo lo relativo a la superstición, sus acciones sean objeto de sanción y rechazo, a diferencia de las de culto religioso, que son naturalmente aceptables.

Ahora bien, el reto del proyecto y su verdadero aporte, es que una vez teniendo la teoría clara, esta pueda ser traducida a un lenguaje gráfico. Por esa razón, se buscó un tercer elemento que sirviera de escenario a todo lo anteriormente expuesto.

Se introdujo entonces el tema de la mercadotecnia, el consumo y la producción en serie como una forma de generar contraste. Es de resaltar que este tipo de elementos, claramente ligados a la cultura de masas, parecen no ser aceptables cuando se vinculan directamente a cuestiones de tipo sacro. Sin embargo, tanto superstición como religión católica, nunca han sido indiferentes a las actividades comerciales.

Una noticia de La Nación referente a las apariciones de la Virgen de Sarapiquí, resalta que cerca del área donde se reunían los devotos a contemplar el suceso milagroso, se levantaban locales comerciales que incluían la venta de rosarios, estampas y diversos artículos religiosos, así como puestos de comida y bebidas. Ahí se detallan la gran cantidad de objetos para la venta en el sitio de la peregrinación, entre rosarios, cassettes de música religiosa y alimentos. También menciona la explotación de zonas de estacionamiento improvisadas, que según el artículo, proporcionó “jugosas sumas de dinero” a algunos lugareños, quienes lucraron con los 200 buses y 1.500 vehículos particulares en que se trasladaron algunos de los 7.000 peregrinos. Es de notar que dicho artículo deja entrever un dejo de ironía, que hace inferir al lector la idea de las prácticas comerciales como algo cuestionable dentro de un ritual religioso o que los vendedores de alguna forma son inescrupulosos al tomar ventaja de la euforia de los fieles.

Por eso resulta curioso que en la Basílica de los Ángeles, dentro y fuera de ella, se vendan tanto productos religiosos, como otros de diferente índole tales como anteojos de sol, tarjetas de cumpleaños, tarjetas telefónicas, joyas, etc. En este caso es la propia Iglesia la que directamente lucra a través de la coyuntura de la visita de los creyentes a la imagen de la Virgen, la sala de exvotos, la piedra y el agua bendita que de las piletas mana, haciendo suponer que el condenar el comercio ligado a los acontecimientos sagrados es un hecho relativo.

Siguiendo con la temática de los establecimientos destinados a la venta de artículos religiosos y supersticiosos, es notoria la variedad de soportes y materiales utilizados para la confección de los mismos. La tecnología y la modernidad se asoman en las diversas e innovadoras formas que alcanzan las imágenes tradicionales, convertidas en calcomanías, pines, parches de tela, tarjetas, etc.

Es así como, la solución gráfica propuesta para el trabajo, examina lo concerniente a estos a los soportes alternativos antes mencionados y elige el área textil como punto de partida, intentando hiperbolizar el rol de las populares imágenes elegidas como mercancías de alto potencial de venta.

Ahí, es donde se opta por tomar como referente histórico, artístico y estilístico, la conceptualización del arte pop y el uso recurrente del llamado ready made dentro de dicho movimiento, ya que las imágenes usadas dentro del proyecto no son ni cambiadas ni sujetas a estilizaciones drásticas.

Así pues, se pretende tomar la figura del Dios y el Cristo católicos, así como el santoral y la Virgen María, desde su representación en diferentes advocaciones, y abordarlos como personajes pertenecientes a la cultura popular, que aunque con un claro referente religioso, son también independientes de esta condición y se perfilan como enriquecedores de la cultura iconográfica. Se inicia entonces un proceso de descontextualización de dichas figuras, que al ser introducidas a un entorno poco tradicional, en este caso, la recreación de una tienda de ropa con sus percheros, maniquíes y aparadores, echarán mano de diversas licencias, contrastantes con las de sus representaciones comunes y aceptadas. A su vez, las imágenes ligadas con las prácticas supersticiosas son incluidas en igualdad de condiciones con las de índole religiosa en virtud de otorgarles una jerarquía similar, en primera instancia para conciliar las supuestas diferencias dictadas a nivel social y por otro lado, ilustrar que las representaciones pueden convivir sin problemas ni cuestionamientos en la mentalidad colectiva, aunque tradicionalmente sean excluyentes o antagónicas.

Preparando el entierro y la vela

2006-11-28T09:52:00.000-07:00

Este blog, o al menos el tema que le dio vida, está en sus últimos aleteos y se hace inminente llegar a algunas conclusiones.

Este surgió en un principio para esbozar ideas en torno a un trabajo relacionado con la materialización de un proyecto artístico y lograr así recopilar comentarios u opiniones de personas, que no necesariamente están relacionadas con ese ámbito. En este sentido, esta valiosa herramienta de retroalimentación no dio los resultados esperados, por razones de las cuales no se tiene certeza, pero sobre las que se especula a continuación.

La primera es, que el tema por sí mismo resulte aburrido. Quizás quien escribe no tenga la suficiente elocuencia para lograr que sus lectores se interesen en algo en lo cual no manejan las herramientas para entenderlo y por lo tanto, adolezca de la capacidad de ponerlos en contexto. Al leer otros blogs orientados a temas específicos como mercadeo o programación y hasta de actividades ociosas como los juegos de video y automóviles, es inevitable revisarlos someramente y dejarlos en el olvido, si no se cuenta con un interés particular sobre esa materia.

La segunda es que por el contrario, el tema parezca atractivo, pero hay temor por parte del lector a dejar patente un comentario que pudiera ser errado. Es común escuchar “yo de arte no sé nada”, como una forma de justificar la opinión contraria hacia una pieza artística que no gusta o no se entiende. El arte, que desde muchos siglos atrás se ha caracterizado por su elitismo, no parece terminar de dar el salto hacia uno de sus principales objetivos, es decir, comunicar.

Por tal razón, este documento fue metamorfoseando su esencia y fue dejado más a la libre, intercalando de vez en cuando temas de cultura popular, aficiones del autor y hasta reseñas de tipo autobiográfico, estas últimas, las de mayor popularidad.

Ahora bien, aunque el propósito en un principio planteado, no llegó a cumplirse con los resultados esperados, “descubrió” (así entre comillas bañadas de agua tibia) todo un universo de jerarquías, comportamientos y perfiles propios de una pequeña y doméstica comunidad cibernética, que de alguna forma comparte la forma en que se aborda una propuesta plástica.

El blog es un espacio ególatra. A diferencia de lugares más relajados como los chats donde se conversa sólo por ratos y donde la identidad es variable, o los foros donde se comparte terreno con otros en igualdad de condiciones, el blog proporciona protagonismo. Se tiene la potestad de elegir los temas, los que ingresan a la página pueden ser moderados por el propio autor y la censura sólo conoce sus límites. Es tal vez por esa razón, que en la bitácora de TicoBlogs.com, los de tipo personal, semejantes a un “querido diario”, aplasten sin compasión a las demás categorías.

Cuando se observan los temas y proyectos de los demás compañeros de quinto año, se esboza un fenómeno parecido. Excluyendo a los de Artes Gráficas, quienes deben hacer una investigación acerca de un proyecto real y aplicable a un nivel profesional, todos los demás énfasis se limitan a la narración en primera persona y la opinión subjetiva sobre algún particular. Por tal razón, pululan los cuestionamientos existenciales y las interpretaciones libres (entiéndase de dudoso respaldo teórico) a escenas o vivencias de tipo cotidiano.

Lo anterior no es del todo errado y por el contrario, es totalmente válido. El arte posee la ventaja de abordar los temas más diversos con la posibilidad de hacerlo desde las perspectivas más inusuales, a veces con una serie de licencias vedadas para otras disciplinas. Sin embargo, el usar recurrentemente este tipo de forma “personal” incurre en el facilismo de reproducir estereotipos o lugares comunes. Aún así, la fórmula de lo autobiográfico es tentadora. Tal como se ve en los blogs de esta línea, significa echar mano de un pase seguro a la aceptación del público, ya que la forma coloquial con la que se cuenta una historia o vivencia común a los demás, parece generar harta empatía. En el caso de las propuestas plásticas, habría que evaluar si el relatar únicamente desde la propia experiencia, efectivamente se traduce en contundente aprobación.

Hay por otro lado, un deseo tácito de figurar. Ese particular “ego de los blogs” de alguna manera plantea sus vivencias en tono de descubrimiento. Cada nueva entrada tiene como primer propósito compartir lo que se opina, pero se infiere con cierta frecuencia un impulso de “iluminar” al posible lector con el hallazgo o explicación de un acontecimiento, dentro su contexto específico.

De cualquier forma, ya sea en un blog o en un trabajo artístico, parece resultar más seguro el limitarse a hablar de sí mismo y no trascender nunca esa frontera hacia un interés por “los otros”.

Aunque los resultados de ambos son completamente diferentes en forma y se rigen por reglas distintas, no se puede ser indiferente a motivaciones tan similares, que parecen ser la norma cuando se desea comunicar efectivamente, mejor aún, desde la auto complacencia y con beneplácito del público.

Mr. T y yo

2006-11-18T16:40:00.000-07:00

Ciertamente había olvidado lo que era odiar a un profesor. Salí del colegio hace mucho más de 10 años. Recuerdo horrendos despotriques allá en mis años mozos en el bonito técnico de Sabana Sur, contra el padre negro, católico y profesor de religión. Forrado en tantas cadenas de oro que hasta tapaban el collarín blanco de su sotana, su retorcido sentido de la moda dictaba usar unas riendas similares en cantidad para envolver sus muñecas. A tono con lo anterior, un brillante y gigantesco reloj dorado y unos cuantos anillos “tipo graduación”, complementaban su sacro atuendo.

La clase de religión siempre comenzaba con alguna oración. Todos de pie, primero escuchábamos una lectura bíblica y al terminar, inmediatamente la sucedíamos con un Padre Nuestro. Una lección de tantas, tomé sitio justo al frente del muy barroco Mr. T. Este leía el “salmo de los impíos” con esa vehemencia medio artificial que tienen los curas cuando dictan misa. Como quien oye llover y completamente absorta en todo tipo de pensamientos ajenos a la religión y la temperatura promedio en el infierno, sentí por la entonación del padre que estaba próximo a terminar su retahíla. Volví mi cabeza hacia él y nuestras miradas se cruzaron, al tiempo que recitaba la última frase del salmo:

-“¡y los impíos morirán!”-

Justo en ese momento el viejo maldito desgraciado, cerraba su Biblia y en un extraño impulso, me propinaba un golpe con ella en la cabeza.

Atónita y algo humillada, me di cuenta que nadie pareció percatarse de aquel bizarro incidente, e inmediatamente todos comenzaron a rezar el Padre Nuestro con absoluta naturalidad. El “así como nosotros perdonamos a los que nos ofenden…” perdía total y completo sentido para mí.

Ya en años universitarios, hace unos días tuvo lugar la presentación de proyectos de quinto año. Aquello fue una escena digna de recordar. La primera compañera evaluada salió gesticulando y jalándose los pelos, el segundo, un poco confundido por preguntas técnicas propias de una especialidad ajena a él, supongo formuladas adrede para que no supiera responder. Tal parece que una reencarnación de Mr. T, se había colado en la calificación y empezó a repartir bibliazos a diestra y siniestra.

Esta vez el agresor no usaba costosas cadenas de oro, pero sí trataba de exhibir el equivalente académico de la ostentación: inaceptable soberbia y una peligrosa subestimación al prójimo.

Luego fue mi turno.

-“Sí, verdad, tiene razón. Es curioso que a nadie más se le haya ocurrido antes”,- me dijo la jueza luego de explicar la pieza relativa a género, religión y sexualidad (en realidad ni siquiera me lo dijo a mí, se lo dijo a otro profesor que estaba sentado un poco más atrás).

En ese cuestionable elogio, fueron esbozados los primeros amagos de pisotear mi dignidad. Luego de unas cuantas discrepancias de percepción, como es natural en cualquier calificación de quinto año que involucre ropa, religión y prácticas mágicas, la jueza dio rienda suelta al antropólogo que todos llevan dentro y lanzó sus conclusiones teóricas de dudosa referencia bibliográfica.

Fue curioso ver rejuvenecidos aquellos odios colegiales, reservados para momentos en que se tiene la certeza de estar siendo emocionalmente vapuleado por un docente, pero saberse impotente para exponer una defensa efectiva cuando lo agarran desprevenido. Más que mostrar alegría por salir airoso de aquel implacable ataque de serrucho y segueta, la primera reacción del evaluado era verse la ropa, olerse los sobacos o mirarse los dientes en el espejo a ver si algún frijol del gallo pinto le quedó pegado en la sonrisa. Ninguno de nosotros, teníamos idea del porqué nos estaban tratando como si hubiéramos presentado una nigüenta o una lapa de llanta para la exposición.

El arte (como la religión) está colmado de afirmaciones y criterios subjetivos. Cada quien, según su formación y experiencia, ejerce el derecho a emitir un juicio si así se lo piden. Sin embargo, al igual que con aquel golpe sorpresivo de Biblia a mi incipiente agnóstica cabeza, nunca deja de desagradar el ser violentado con instrumentos en los que no se cree del todo, pero por su carácter sagrado, maltratan la autoestima y el intelecto de quienes se someten a su medición. El tener un profesor aparentemente inquisitivo cuyo único objetivo es reafirmar su jerarquía y convencerse de una preconcebida mediocridad de sus estudiantes, es tan cuestionable y contradictorio como un sacerdote que olvida sus votos de pobreza y cae en la tentación de envolverse en refulgentes cadenas de oro.

¡Qué´s la vara con los Mejitos!

2006-11-09T11:51:00.000-07:00

Hace unos días llegaron los textos que acompañarán al catálogo de quintos años para la próxima exposición. No estaban del todo mal, pero sí un poco crudos, carentes de unidad de estilo, en fin, piden a gritos un filólogo.

Luego de recibir un correo electrónico relativo a la inauguración y a las bebidas y bocadillos que se va a ofrecer ese día, se me ocurre ingenuamente pensar que a alguien más en esa escuela tan libre, creativa y espontánea le va a importar que el catálogo tenga defectos de contenido y forma. Así pues, Lachi en su respuesta a tal correo, comete el pecado de relegar a un segundo plano la organización, calidad y fineza de los alimentos que se van a hartar los mismos cuatro gatos que siempre van a las inauguraciones y propone optar por algo más modesto. Luego osa exhortar a sus colegas a revisar el documento que respalda la exposición, única prueba con algún tipo de permanencia e importancia a futuro.

No sé si es que a mí me falta roce social, que a pesar de haber ascendido unos tantos en la escala académica y laboral, mis raíces Sansebastieneñas y el haber ido recientemente a Ojo de Agua sin sentir remordimientos, se me salen a borbotones.

Sin embargo, pienso que las respuestas que recibí son totalmente desproporcionadas. Todas apuntaban a señalar que la revisión de los textos por parte de un filólogo era algo deseable pero imposible por lo apremiante del tiempo, opinión en la que concuerdo. Aún así, llamó mi atención el que esto fuera considerado como un problema menor sin mayor impacto o importancia. En contraste, el tema de la comida resultaba ser algo imposible de dejar al azar ya que peligrosamente comprometía nuestra imagen como profesionales. Alguien incluso comentó que "estamos en la era de los expertos" (ojo cuánta solemnidad a la hora de referirse a una bandeja de empanadas de piña) y por tal razón, nos exponíamos al desastre.

Además, no faltó quien me insinuara que soy una gran limpia.

Lo admito, me traicionó mi profesión de comerciante, la cual ha desarrollado mi capacidad de convertir el atún y los mejitos en finas viandas, todo en virtud de minimizar gastos. Mis conocimientos mercadotécnicos empíricos me han enseñado que contratar a doña catering significa pagar por la misma mortadela del Mas X Menos, pero arrollada en forma de flor de loto y servida por un pachuco sudoroso en corbatín, un sobreprecio. Su única ventaja es el ahorro de tiempo y el aparentar estatus, esto último inútil para una exposición estudiantil de rango menor que sólo es visitada en su inauguración por los familiares de cada artista.

A menos que Tía Florita sea la homenajeada de la exposición, me preocupa más el poseer un catálogo bien hecho que un pasar a la posteridad como la Martha Stewart de la Escuela de Artes Plásticas. Las listas de prioridades ajenas son algo que mi nerdura natural nunca terminará de comprender.

Así, pues, más cagada que una jaula de perico, Lachi nuevamente se pregunta porqué eligió estudiar manualidades y no algo que sonara más a carrera universitaria, algo con lo que mi difunto padre le hubiera podido rajar a sus amigos, algo que no sonara a DJ de discomóvil.

En todo caso, los invito a todos a la exposición del próximo 1 de diciembre en el vestíbulo de la facultad de Artes Plásticas. Por lo que pude inferir de los correos de mis colegas, ellos jamás han probado ni el arroz ni los frijoles, sólo comen de pato al orange para arriba, así que, si les gusta la Fanta Naranja pero transportada en vehículos especiales, esta es la oportunidad de degustarla.

Taxco, barroco latinoamericano, nazarenos ensangrentados y demás

2006-10-27T10:31:00.000-06:00

A la llegada de los españoles a América, ésta estaba poblada de indígenas desconocedores de los dioses cristianos y la fe católica. Paganos, según la visión de los conquistadores. Por tal razón, el dramatismo espectacular y orientación catequizante del barroco europeo resultaron como anillo al dedo, al convertirse en especie de pequeñas pero concisas lecciones de religión.

Los conquistadores encontraron mucho más efectivo enseñar las doctrinas cristianas a las nuevas generaciones de indios y mestizos por métodos más persuasivos y menos violentos (hay que recordar que los primeros intentos de someter a los indígenas fueron por medio de la guerra y el exterminio), intentando conmoverlos con la teatralidad de su arte y transmitiéndoles el gusto por la figuración realista. Así lograron, salvando las variantes, perfilar el sentimiento religioso y lograr arraigarlo en la mentalidad de los habitantes, implantando definitivamente el modelo religioso católico español.

La iglesia de Santa Prisca en Taxco de Alarcón, México y construída a mediados del siglo XVIII, fue financiada con fondos provenientes de la pujante industria minera de la zona. Ejemplifica claramente la arquitectura y la decoración propias del barroco, con altares forrados en pan de oro y pocos espacios vacíos.

De lo más llamativo que tiene el Barroco, y en especial el Barroco latinoamericano, es la obsesión con el dolor y el sufrimiento. Como ya se mencionó, lo teatral y lo espectacular jugaron un papel importante a la hora de elaborar las representaciones. Es entonces lógico que se rinda culto a los mártires y se reproduzcan con el mayor realismo posible las heridas, llagas y signos de angustia de santos, cristos y demás personajes. En el catolicismo frecuentemente cuando se mencionan sentimientos como el amor, estos se relacionan como sinónimos de sacrificio, como es el caso de la Virgen María. La tradición indica que su infinito amor de alguna forma está ligado a su condición de madre y al sufrimiento que devino de los sucesos de la crucifixión de su hijo.

La Semana Santa, revive la historia de la venida de Cristo. En muchos lugares de Latinoamérica, las festividades intentan recrear con mucha fidelidad los acontecimientos. Aspectos como la penitencia y el autocastigarse, se relacionan como un forma de purificación.

Estas son reproducciones de rituales de Semana Santa en Taxco de Alarcón en el exterior del antiguo convento de San Bernardino. Se trata de tres esculturas que arrastran diferentes instrumentos de flagelación y tortura.

La conclusión es: la religión católica desconoce el hedonismo :P. Tan tan.

(Haga click en la foto para agrandar y ver con mayor detalle)

31 minutos

2006-10-11T11:04:00.000-06:00

Siempre me gustaron las marionetas. Lo confieso. Los Muppets eran toda, Plaza Sésamo (versión mexicana) también.

En el canal Nick estuvieron pasando capítulos de la primera temporada de "31 minutos", un programa chileno de humor blanco para niños, carente de violencia o enfoques sexistas (esto último para mí imposible de encontrar en casi toda la producción audivisual para público infantil) y un fino sarcasmo para los adultos. Se recrea un noticiero, llamado 31 minutos y el desarrollo versa sobre los personajes que trabajan en el ficticio canal y la mofa hacia el egocéntrico presentador del programa: Tulio Triviño. Lo mejor del programa es el top5 de canciones.

31 minutos - Objecion denegada

"Objeción denegada"

La ejecución es en apariencia sencilla. Apela a lo más inmediato. Filman en la calle o en casas comunes y corrientes. Algunos personajes son confeccionados por los creadores del programa, pero otras son simples peluches o muñecos de esos que andan tirados en el fondo del closet. También son muy ingeniosos al modificar algún objeto y con sólo ponerle un par de ojos móviles o de fieltro, hacerlo funcionar como un títere más. A mi juicio, es un derroche de creatividad que prueba que no se necesita de nada extraordinario para lograr buenos resultados.

Algunas cortos o fragmentos del programa

Capítulo de la mugre

Manualidades con patana

Presentación del especial de navidad, de lo mejor.

Yo opino

31 minutos en Wikipedia

En el canal chileno a veces se pueden pescar algunos capítulos. Podría matar por volver a ver el episodio japonés.

Bloque de Nieve

2006-09-30T17:27:00.000-06:00

En el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, constantemente están rotando las exposiciones. Han anunciado "Bloque de Nieve" para el próximo 3 de octubre. Se trata de una muestra colectiva de artistas hondureños. El texto que la sustenta resulta interesante, ya que siempre es atinado recordar lo cercanos en pensamientos y acciones que se encuentran todos los países centroamericanos.

"Tu bandera es un lampo de cielo
Por un bloque de nieve cruzado
y se ven en sus fondos sagrados
cinco estrellas de pálido azul

(Fragmento del Himno Nacional de Honduras)

Sabían que Honduras fue uno de los países que le declaró la guerra a Hitler: que conocemos más de la Revolución Francesa que de nuestra huelga del 54. El corazón de nuestra tierra es una ciudadela militar gringa, que nos dejo la Guerra Fría en la librería Metromedia de Tegucigalpa, donde frecuentemente se habla inglés y a mi amigo Antonio los mormones le dijeron que el color moreno de su piel era un castigo de dios.

Los hondureños celebramos el triunfo del Barça en la Copa de Campeones de Europa con el mismo fervor que los catalanes. Al país al que más emigramos es hacia Estados Unidos, aunque tengamos visa gratis a la Unión Europea. Vimos Karandiru horrorizados, pero sin hacer ninguna asociación a la masacre del Porvenir en nuestro propio contexto. Los empresarios hondureños tiene apartamentos de fin de semana en Miami y millones de desempleados tienen esperanzas en el Tratado de Libre Comercio con Estados Unidos, mientras el 64 % de la población vive bajo la línea de la pobreza. Mi hermana se fue mojada a California, habla como mexicana y tiene una paisana que dice que la guerra en Irak es justa.

Estas son solo algunas de las contradicciones de nuestro contexto. Tal vez por eso los pocos artistas contemporáneos de Honduras son muy receptivos a la globalización, esperan con ansias la última edición de Art in America, hablan del bombardeo en Líbano y juntan dinero para celebrar un premio de bienal en un restaurante chino.

El título Bloque de Nieve, en esta muestra de artistas contemporáneos hondureños, surge de la necesidad de condensar en una frase muy representativa de nuestra historia la naturaleza ambivalente de nuestro “nacionalismo”. Dilema que a mi juicio ha sido transversal en la producción intelectual latinoamericana, y en el caso de Honduras tiene una presencia manifiesta en el discurso actual de las artes visuales.

La más común de las explicaciones a nuestra falta de patriotismo -no por eso desatinada- se fundamenta en la idea de una conformación de nuestro Estado-Nación desarrollada sobre la base de los valores cívicos occidentales, por encima de la cosmovisión del mundo de raíz indígena que dominó previo a la colonización. En ese sentido, contrario a lo que sucedió en países como México, donde el Indigenismo caló en el pensamiento político e intelectual, en Honduras -como en la mayoría de países latinoamericanos- la socialización de esos valores se hizo con el fin de integrar a los ciudadanos en unos valores comunes y occidentales, que con el paso del tiempo se cristalizaron en la sociedad y sus productos.

En la Historia Política Oficial tenemos un héroe llamado Francisco Morazán, más parecido a Napoleón que a Emiliano Zapata. En la pintura, nuestro máximo exponente del modernismo, Pablo Zelaya Sierra (contrario a otros precursores del modernismo en América Latina, que bebieron de la tradición precolombina) esta más cerca de Cezanne y Picasso que de los mayas de Copán; y los artistas contemporáneos tienen más afinidad estética con el Dadaísmo que con los artistas hondureños más próximos a su generación: ¿será que somos alienados por naturaleza?.

Una vez en la historia los intelectuales y políticos latinoamericanos negaron nuestro componente indígena y nos quedo la culpa; después, con el aniversario de los 500 años del “descubrimiento” de América, pretendimos negar a nuestros ancestros y herencia occidental, española, católica, saqueadora de tesoros, violadora y asesina, pero a estas alturas nadie puede negar que somos más occidentales que indígenas, educados con aquella visión del mundo con un sentido del tiempo y el espacio tan occidental como el de Galileo.

Local versus global, nacionalismo versus universalismo, economía de bienestar social versus economía de libre mercado, pensamiento único versus pensamiento crítico; todos fundamentos ideológicos de nuestra historia occidental , no muy distinta de otras comunidades marginadas de los beneficios de la economía mundial y muy a pesar de eso, con un limitado pero gratificante acceso a la cultura transnacional a través de sofisticadas redes de comunicación tecnológicas y de valores democráticos en boga.

En Honduras no hay nieve, es un país tropical de América Central, con una fascinación por lo exótico como cualquier sociedad de la tierra, allí cantamos con emoción un himno que es una apología eurocentrista, escrito por un paisano llamado Augusto C. Coello y musicalizado por Kart Harthling, músico alemán que para desgracia de Coello si conoció la nieve.

Adán Vallecillo Sevilla, Curador. Agosto 2006"

Nuevos productos

2006-09-22T14:56:00.000-06:00

Si tuviera que reconocerse la característica más sobresaliente de los blogs costarricenses, esta sería sin lugar a dudas, la inconformidad. Basta revisar algunas de estas bitácoras al azar en ticoblogs para tener la sensación de transitar por un espinoso valle de lágrimas.

Por lo tanto, en un impulso de ayuda y servicio a la comunidad de blogs de cosecha criolla, es mi recomendación, que de ajustarse usted al perfil antes descrito, proceda como naturalmente, lo haría cualquier persona en su lugar: visitando el establecimiento más cercano y comprando un producto para la suerte.

He aquí algunas sugerencias:

Polvos de Corte y Juzgado, para casos difíciles:

Pero quién no ha tenido roces con la ley. Dicen las intrucciones: "antes de asistir a un juzgado aplicar en el cerebro y palmas de la mano mencionando así: por los poderes de moises, jesús y maría santísima, que este caso se resuelva".

Polvos Vudú, vencedores de enemigos:

El padecimiento de excesiva belleza e inteligencia provoca el ser objeto constante de envidia. Rece: "yo te deseo que te hundas en una cazuela de cenizas. Serpiente negra que por ti pierda la salud, que las chinches te chupen en las noches y todo lo que hagas te salga equivocado".

Polvos Vete lejos:

Al igual que el 90% de la población costarricense, ¿odia usted a su vecino? (Ojo: el muñequillo con pata de palo es el villano de "Piratas del Caribe II", ¡jajajaja!!!)

Polvos del Escarabajo:

Este es ideal para Zilla. Hágase énfasis dentro del listado en el item "salud".

Polvos Rompecolchón con feromonas:

Ideal para cuando la abstinencia amarga la existencia.

Lachi y el cómic

2006-09-18T15:57:00.000-06:00

De la serie: intereses intermitentes

Con esa gloriosa herramienta llamada internet (además de abundantes excedentes para invertir en el ocio) se ha hecho posible conocer y comprar a través de populares portales de ventas en línea lo que alguna vez fuera prácticamente inconseguible: libritos de cómic.

Hace unos 15 años, cuando ni en sueños era posible imaginar la existencia del ADSL y tras una vida de leer Pepita, Olafo y Mafalda en La Nación, mi segunda aproximación con el cómic llegó gracias a un ejemplar de la francesa Metal Hurlant, edición española, en un remate por inventario en una librería de San José. Como más tarde comprobaría, dibujantes dedicados a las historietas los hay por centenares alrededor del mundo y esta publicación, proporcionaba un buen compilado de sus mejores y más famosos representantes europeos.

España, ávido consumidor de este tipo de publicaciones, se ha convertido en un magnífico puente para obtener obras de autores franceses, alemanes o estadounidenses traducidas al español. Claro está, que al igual que con el doblaje de películas, los españoles no tienen reparo en utilizar sus expresiones y frases coloquiales aplicadas a cualquier contexto.

La buenísima Metal Hurlant, con las características antes descritas dejó de publicarse a finales de los ochentas. Aquellos ejemplares en promoción, eran a todas luces, un remanente de oferta y por lo tanto, no representaban la posibilidad de tener un proveedor local de cómic de forma regular. Así, obviando internet, la disponibilidad de historietas se ha reducido prácticamente a lo más comercial de Estados Unidos con sus muñecos de DC y Marvel. También es posible encontrar la Heavy Metal, en un principio derivada de la Metal Hurlant, pero saturada de violencia y sexo (este último con extraños y “pudorosos” genitales censurados) y enfocada a argumentos supuestamente más afines al público masculino.

Cuando no se buscan autores o títulos específicos, aún echando mano de las sinopsis, muestras y hasta sugerencias de personas que parecen tener inclinaciones similares a las nuestras, la diversidad de cómic es tanta, que hallar algo que se aproxime a nuestras preferencias específicas no es tarea fácil. Los hay de superhéroes gringos, los de corte underground, “esos increíbles japoneses” y el manga, los de ciencia ficción, los eróticos…Condorito, en fin, la cantidad es abrumadora y la calidad variable.

Algunos de los enlaces útiles para comprar o conocer:

Ediciones La Cúpula
Guía del cómic

Cualquier otra valiosa información, no dude en compartir.

Inauguración Bienal de Textiles 2006

2006-09-11T10:30:00.000-06:00

Si anda por San Pedro y tiene ganas de matar la culebra, el martes 12 de setiembre y hasta el 11 de octubre, estará abierta al público la Bienal de Textiles 2006 en la Galería Sophia Wanamaker del Centro Cultural Costarricense Norteamericano. Deléitese apreciando la obra de mi autoría arriba ilustrada: "Camiseta Conmemorativa Bienal de Textiles 2006" o bien, como yo le llamo cariñosamente, "el espantapájaros".

Si quiere averiguar porqué en una galería de arte cuelgan chunches como esos, refiérase a esta entrada.

¡Ah, la naturaleza!

2006-09-05T14:55:00.000-06:00

"El grito lógico del planeta...el eco lógico en trazos

Si quiere ser parte de esta muestra de denuncia y de consciencia se le invita a participar con su obra plástica en la Colectiva Ecológica: EL GRITO LÓGICO DEL PLANETA.
Los objetivos son crear espacios para apoyar a los artistas y su trabajo en diferentes entornos, y además integrar el arte como un medio de extrema relevancia para la educación de la población. En esta ocasión el tema es de indudable interés y afinidad para todos: La protección de la naturaleza y del planeta.

BASES: Tema Ecológico, exhortador de la protección del ambiente".

El anterior, es un extracto de una invitación para participar en un concurso con temática de conservación ambiental.

En algún momento a la mayoría de los ticos, se nos posicionó la idea de una Costa Rica paradisíaca, meca del turismo sostenible. A manera de mantra y con aroma de cliché, la repetición acabó por convencernos, de una idealización sólo efectiva y útil desde el punto de vista mercadotécnico.

Aún cuando el discurso ecológico tradicional, limitado a un cierto tipo de fauna y flora y exclusivo de las zonas rurales turísticas, ya se nota desgastado, se insiste en aplicarlo a innumerables disciplinas para aprovechar su popularidad. Así pues, el arte, no ha sido indiferente a la “fiebre ecológica” y siempre ha estado de su mano a través de otros conceptos como el reciclaje. Loables aportes se esbozan en un Roberto Lizano, quien reutiliza cartón corrugado de cajas de embalaje para elaborar retratos o en el río de botellas plásticas Katadín, que alguna vez se vertieron dentro de una de las salas del CENAC ironizando sobre la obsoleta costumbre de beber agua del tubo. Las preocupaciones de índole ambientalista desde una perspectiva integral, son evidentes en los artistas de la rama textil, quienes lo involucran no sólo en el proceso técnico sino también en el planteamiento temático. Algunos dentro de la corriente del arte Povera, llevaron al extremo la reutilización de materiales, aunque por una motivación diferente a la del amor por el planeta.

En cualquier caso, el arte, promovido como una herramienta concientizante, en ese afán muy común de brindarle algún tipo de justificación y funcionalidad, fue adoptado por los de alma conservacionista. Sin embargo, en el tema de vivir en armonía con la naturaleza, difícilmente algunas obras son consecuentes con lo que promocionan.

Por ejemplo, no existe forma posible para que una disciplina como el grabado, sea sostenible. Las lapas, monos y dantas de los desplegables y páginas de internet, no tienen nada que ver con el ácido nítrico, la tinta offset y la resina satánica de granulado fino, tóxica hasta el alma (y los pulmones). Historias negras de personas que han perdido el esmalte de sus dientes por los vapores del ácido o han alimentado su predisposición al cáncer, se encuentran a la orden del día.

Aún recuerdo cuando en el taller donde se elaboraba papel a partir de (ojo) fibras naturales, a alguien se le ocurrió vaciar la olla de agua con potasa, necesaria en alguna parte del proceso, sobre el zacate. Cinco minutos después había una pila de lombrices retorciéndose en espantosa agonía.

La última, casi en tono de leyenda urbana, cuenta del pintor que necesitando revolver un tarro de sellador para emulsionar una tela y en ausencia de un palo destinado a ese fin, optó por hacerlo con la mano y por supuesto, se la quemó todita.

En fin, para no hacer el cuento largo y sin querer pecar de purista, las Artes Plásticas tienen por reyes del deterioro ambiental al grabado y la fotografía, por lo menos en lo que compete a su materialización y técnica más tradicional. Las demás no andan muy lejos, siendo quizás la cerámica, la más inofensiva. Si bien existen en algunos casos, alternativas para alivianar los efectos nocivos de químicos y solventes, sustituyéndolos por otros menos agresivos, de alguna forma, sospecho que el crear una obra plástica con mensaje ecológico equivale a distribuir panfletos masivamente exhortando a detener la tala de árboles.

No se trata de minimizar algo para muchos apremiante y, tal como lo dice la invitación citada en el encabezado, “de indudable interés y afinidad para todos”, más cuando los esfuerzos son mayormente palpables y significativos cuando se hacen de forma grupal. Sin embargo, sería interesante variar un poco el enfoque y el tono con el que se pretende incentivar a los gremios a involucrarse en algo venido a menos por lo trillado de las frases con que se acompaña. Estas, terminan generando más rechazo que apoyo, o peor aún, resultan indiferentes, más si al echar un vistazo a San José y sus habitantes, la mentada ecología emblemática costarricense, se restringe a las tiendas de souvenirs.

Así que la próxima vez que desee obsequiarle a algún conocido en el extranjero, una camiseta estampada con algún bicho extravagante y colorido, mejor decántese por una con el logotipo de Imperial. Al fin y al cabo, corresponde a un ave que también califica como especie exótica, y de paso, aunque no es autóctona, está más cercana y ajustada a la idiosincrasia nacional.

El quinto año no sabe escribir

2006-08-28T10:27:00.000-06:00

Prólogo

Debido a la avalancha de mensajes (2) solicitando una nueva entrada en este, el blog de todos los amigos con vocación de sacrificio o toneladas de tiempo ocioso, he de comentar que mi trabajo de quinto año va viento en popa. Hace dos meses se presentaron los trabajos escritos y la investigación. Igualmente, el próximo 12 de setiembre se inaugura la Bienal de Textiles con una obra mía entre los participantes.. Sin embargo, en este momento, lo que más me emociona es bajar canciones en formato .kar para, tal y como afirma la página http://www.tomamusica.com/karaoke/ "con el software de karaoke, la canción y el equipo de sonido de tu pc (a ser posible con micro), podrás tener gratis un completo karaoke en casa".

¡ehhhh!!!!

El quinto año y los pormenores de una escuela de poca exigencia académica

Los trabajos escritos son una rareza exótica en la Escuela de Artes Plásticas, tan es así que ante la posibilidad de ser asignado alguno en cualquier curso, los estudiantes se retuercen del pavor y prefieren caminar de manos que ir a la biblioteca. De ahí sale la mala fama (muy bien fundamentada por cierto) de la incapacidad académica de muchos miembros del gremio artístico.

Así las cosas, de repente un estudiante avanzado o bachiller se enfrenta con el hecho de tener que estructurar un trabajo escrito, lo cual parece ser un verdadero reto, que a esas alturas debía estar más que superado.

El resultado es desastroso. Las tesis de licenciatura aprobadas por la Escuela de Artes Plásticas son vergonzosas. Muchas no superan las 50 páginas y parecen más un "querido diario" que un documento serio que respalde una obra artística, enumerando experiencias personales u opiniones sin fundamento. De hecho, es difícil utilizarlas para una investigación, ya que todo lo que exponen es sumamente superficial. Aquí la culpa recae no solamente en un alumno que no se esfuerza por desidia o incapacidad a presentar un trabajo bien hecho, sino en la permisividad de quienes aprueban semejantes mamotretos.

Se cree que una obra de arte surge de unas misteriosas fuentes intangibles y etéreas, reservadas sólo para algunos elegidos. De ahí que muchos estudiantes que ingresan con ese pensamiento idealizado a desarrollar una disciplina artística a la universidad, se divorcien de los libros y caminen de la mano de la improvisación y el azar. El resultado se traduce no sólo en la incapacidad proyectar un plan escrito, sino en trabajos formalmente pobres.

Aunque el diseño sí es una disciplina donde se pueden reconocer pautas y reglas específicas, tal parece que ese particular quedó atrapado en las telarañas que recubren los maltratados yesos que adornan las aulas y es ignorado convenientemente, por la mayoría de la gente. Más de uno se queja, en tono telenovelesco, de ver su "creatividad" vedada cuando es increpado por algún profesor sobre las deficiencias de su obra.

Se ve que el estudiante muerde el anzuelo del desteñido estereotipo del artista libre y excéntrico, mejor aún, incomprendido, que lucha en contra de una academia rígida y castrante. Mientras tanto, los talleres de la escuela permanecen desiertos, esperando que el famoso y subjetivo combo de "libertad, creatividad y espontaneidad" se materialice de alguna forma convincente.

Así las cosas, era esperable que la breve presentación de trabajos escritos que supuestamente debieron estar terminados para el pasado junio, fuera bastante particular. Adjetivos sobran para describirla, pero sólo diré que fue "libre, creativa y espontánea", ustedes me entienden.

(a) pareo (anal)ógico

2006-08-08T12:11:00.000-06:00

Desde el pasado martes 1 de agosto se encuentra en exhibición el montaje "(a)pareo (anal)ógico" de Olger Arias en la Sala 1887 del Cenac.

Consta de dos monumentales estructuras que combinan ensamblaje metálico, láminas acrílicas y serigrafía. Su estética y colorido es cercana a la ilustración y la historieta, que valiéndose de los recursos digitales, logra una particular mezcla entre lo mecánico y lo artesanal.

Galería virtual del autor

Las exposiciones y actividades en el Cenac se renuevan constantemente y son gratuitas. Nunca está demás exhortar al público a llegar a sus instalaciones y a no olvidar que aumentando el flujo de visitas, se ayuda a evitar el potencial cierre de la institución, el cual continúa latente.

Tío Conejo se nacionalizó coreano

2006-07-18T16:13:00.000-06:00

Mashimaro, es una de las miles de animaciones con la particular estética colorida del Flash que pululan hoy día en internet. Es un conejo gordo y blanco de manufactura coreana, que según algunas fuentes, ostenta el fenotipo de un marsmello. Sin embargo, no hay que dejarse engañar por su amigable apariencia de peluche abrazable; Mashimaro es un verdadero engendro. Tramposo, irreverente, aprovechado y sin escrúpulos, da la impresión que Tío Conejo optó por una cirugía plástica y se exilió en el continente asiático.

Poca o ninguna coherencia hay en los sucesos ocurridos durante el minuto que duran sus aventuras, pero tal vez lo más llamativo de la personalidad transgresora de Mashimaro es su enfático gusto por lo escatológico. Este primo lejano de los tradicionales bichitos corrongos japoneses escupe, defeca y orina su nombre, por eso no es de extrañar que aparte de unas poderosas flatulencias, su gran arma secreta sea un destaqueador de inodoros.

En la línea de Happy Three Friends, juega con el contraste entre lo tierno y lo socialmente "incorrecto". A propósito de MTV, sus cortos harían un digno intermedio para South Park o Jackass, porque al igual que estas dos últimas venera el nada comercialmente despreciable y explotado mundo de los excrementos. Curiosamente, por esta razón, es algo más que aceptable entre el público masculino, especialmente entre adolescentes. Mashimaro es una mercancía apatecible para hombres que desean algo primoroso pero libre de la posibilidad de ser considerado cursi.

2006-07-15T17:52:00.000-06:00

Ahí en el barrio donde crecí, circulaba el rumor de la existencia de un sátiro roba calzones. Luego me di cuenta que no había que ser un cincuentón para tener la paciencia de encaramarse a una tapia y con un palo, tratar de sustraer un par de tangas.

Los fetiches parecen ser muy democráticos, hay para todos los gustos y la ropa interior (sobre todo la femenina) está mercadeada para incitar una fantasía. Lo curioso es que los calzones no sólo están ligados al estímulo visual o táctil, sino que son de los pocos asociados con el placer olfativo.

¿Es usted un oledor de calzones compulsivo? ¿Su vecin@, herman@, mejor amig@ (el perro no cuenta) le da por sumergir las narices en el nylon?

Quiero saber porqué la gente huele calzones

??????

La calavera es ñata, parte II

2006-06-30T07:28:00.000-06:00

Revista Humboldt número 144. Esta vez, fusiona dos grandes temas que para sus públicos, por demás, masivos, provocan efectos hipnóticos, catárticos, todo un desdoble del alma. No es gratuito que en un mismo compilado se ofrezcan artículos sobre religión y fútbol.

"El juego de los milagros", futbolín católico con Jesús de portero, ilustra la portada.

En el apartado de religión, Elke Dauk, escribe "La venganza de los dioses"

La moda es ser ateo, o algo parecido. La religión ha proveído explicaciones sobre el origen de la vida y los "misterios" de la existencia, pero la ciencia, aguafiestas del universo, se ha encargado de darle explicaciones racionales y comprobables a la mayoría de los fenómenos mágicos.

La "irreligiosidad" surge del desdén hacia lo sobrenatural y divino, ya que es considerado por algunos intelectos como algo demasiado ingenuo. Sin embargo, parece ser que los individuos necesitan creer y adorar algo e importa poco en qué volquemos esta capacidad, digamos, instintiva. Según Dauk, dicha necesidad sesgada por el rechazo hacia la intangibilidad de una deidad o la veracidad de su existencia, se canaliza hacia lo inmediato, lo concreto y terrenal.

La cultura pop tiene lo suficientes elementos para crear un conjunto mitológico de fácil aceptación. "Los famosos son como los santos: figuras que en cierta medida nos dispensan ayuda para afrontar los pesares y las miserias cotidianas". Asimismo, los aspectos de la modernidad son temas comunes de la fantasía posmoderna y todo lo relacionado a ellos nos proporciona una vivencia y un espacio común. Su admiración los convierte en ideales, como en la religión católica emular la vida de los santos y la Virgen es lo deseable. Un caso agudo de magia homeopática, donde la imitación estrecha la cercanía con un modelo y hasta cree aprehenderlo.

Lo anterior no constituye ninguna novedad, ni tampoco es el signo inequívoco del fin de los tiempos. A mediados del siglo pasado, el arte pop se cuestionaba las mismas cosas, sólo que ellos principalmente se enfocaron hacia lo que muchos consideraban "el vulgo".

Pero Dauk se regodea describiendo los ídolos de aquellos que se creen inmunes a truculentas trampas religioso-sensibleras, y vuelcan su euforia y esfuerzos con la misma y ciega convicción hacia otras verdades igual de alienantes. La cultura de los yuppies y su veneración a Starbucks y el arte como éxtasis de unos cuantos elegidos, se equipara a la búsqueda de ovnis en el cielo y Vírgenes milagrosas en el templo. Se erige un tótem con todo aquello que sentimos nos convierte en privilegiados e iluminados y nos diferencia de esos confesos devotos religiosos, cuando no hacemos más que regirnos por una misma estructura de pensamiento, cuya única novedad es tratar de encontrar la pertenencia en algún espacio aparentemente más original y con mayor estatus.

La conclusión, nuevamente se ilustra con el famoso dicho gestado en la sabiduría popular y enuncia que todos somos igualiticos: la calavera es ñata.

Las feministas están locas

2006-06-25T00:19:00.000-06:00

Yadira Calvo es una autora especializada en temas de género y sobre la figura de la Virgen María escribe lo siguiente:

"El culto mariano jamás ha ayudado, como lo creen algunos, al enaltecimiento de la mujer. Por el contrario, ha favorecido la estabilización del ideal femenino como madre piadosa, abnegada, modesta, silenciosa, que se queda siempre entre las bambalinas para que el varón salga al escenario y protagonice la historia. Y lo que es más grave todavía, esta madre es virgen, sin duda debido a la asociación cristiana del sexo con el pecado, y como tal, representa un ideal inalcanzable para ninguna mujer, puesto que maternidad y virginidad se excluyen. De modo que la máxima representación femenina religiosa del mundo occidental moderno, resulta ser un ideal fuera de toda posibilidad, que no deja otra opción que separar los atributos y elegir: o virgen o madre".

La "locura" atribuida peyorativamente a las feministas, o bien a cualquier especimen de cromosomas sexuales XX que ose cuestionar la "pureza" como un símil de ausencia de deseo carnal y de este último como un elemento negativo, parece ser más bien un rasgo de peligroso sentido común.

Ante tal contradicción, dentro del modelo femenino religioso por excelencia y siendo el apareamiento, el método natural y convencional para alcanzar la maternidad, yo pregunto ¿cuál mujer podría conservar la cordura?

Sabía usted que...

2006-06-19T10:44:00.000-06:00

El contexto modifica las costumbres y creencias.

Consecuente con lo anterior, modernidad y tradición crean un modelo que evidencia cómo todo es adaptable y posible.

Algunos santos se identifican con los gremios. Sin embargo su percepción más popular es la que dentro de la tradición católica los expone como "doctores", que sanan no sólo las heridas espirituales sino las aflicciones del cuerpo. En general se sabe que Santa Lucía es la patrona de los ciegos, por ejemplo, y que a ella se recurre cuando la imagen del televisor es un raro parchón borroso. Ahora, bien, ciegos han existido desde tiempos bíblicos, pero... ¿enfermos de SIDA? Aparte de una dotación de profilácticos, récele a San Sulpicio para protegerse de esta enfermedad.

Otras curiosidades del santoral:

San Francisco Javier, patrono de los turistas
San Isnardo, para los bulímicos
San Jorge, contra el herpes
San Pancracio, para ganar bingo y lotería
San Sergio y San Baco, para los trasvestidos y homosexuales
Santa Clara, patrona de la televisión
Santa Eugenia, para frenar los impulsos sexuales
Santa Irene, para mantener la virgnidad
Santa Tea, contra la anorexia
San Alberto, protege contra las enfermedades venéreas siempre que sea la primera vez que se tienen relaciones sexuales.

Y hay más, elija usted según su dolencia.

Bienal de Arte Textil

2006-06-03T11:18:00.000-06:00

Una disertación sobre la valoración de la técnica

A propósito de una propuesta para la IV Bienal de Arte Textil: Hombre + Mujer = Creación .

Mi encuentro más cercano con las labores textiles artesanales fue un curso en la universidad con los rudimentos más básicos (el principio del telar y teñido de fibras), y mi posición hacia lo textil, giraba en torno a la fabricación de objetos utilitarios.

Ante mi ignorancia, me puse a investigar. Comencé a buscar información sobre dicha especialidad para lograr dar con alguna luz o idea que orientara el objeto que estaba planeando crear e hice un hallazgo revelador pero esperable. Al menos, en toda la información en internet que encontré sobre arte textil existía lo que sospechaba: una clara exaltación a la técnica y al proceso y así lo hice notar en la justificación conceptual de la propuesta que envié:

"Tradicionalmente, el arte textil se ha concebido como una labor focalizada en la meticulosidad de la técnica, que implica a veces desde la recolección de las fibras a partir de fuentes primarias así como un riguroso procesamiento en donde se toman en cuenta factores de durabilidad y resistencia. Otra de las posibles concepciones de esta disciplina se vincula a una imprescindible presición y destreza manual del artista. Más recientemente, mediante el reciclaje o la inclusión de objetos de deshecho en las obras, se le ha querido dar una connotación de carácter ecológico."

De lo anterior surge una interrogante: ¿Hasta donde es necesaria la labor, a veces engorrosa, de crear materias primas pudiendo comprarlas ya hechas y lograr idénticos resultados? ¿Enriquece esto el discurso del artista, o es sólo una forma de autocomplacerse en un trabajo casi penitente?, ¿es válido entonces exaltar el uso de máquinas o materiales industriales, de la misma forma que se exaltan los fabricados artesanalmente?

De estas disertaciones salió la obra “Camiseta conmemorativa, bienal de textiles 2006: Hombre + Mujer : Creación”, la cual consiste en una camiseta llana de fabricación industrial con el texto y el logotipo de la bienal. Es de aspecto simple y complejidad técnica similar. Aquí, una camiseta hecha en cualquier maquila, con una leyenda serigrafiada, se convirtió en obra de arte al adosarse a un bastidor.

¿Es el arte textil enfocado únicamente hacia lo artesanal?, ¿puede ser el objeto industrializado un complemento válido o bien, el protagonista de una obra de arte textil? Así, vi lo que siempre tuve delante de mis narices: yo imprimo camisetas, yo soy una activa y productiva artista textil.

Con esta obra, no se pretende criticar a quienes tienen una forma específica de llevar a cabo sus proyectos. Todo lo contrario. Aunque de alguna manera confronta, pretende más bien proponer una vía alterna y complementaria, que amplíe los horizontes del arte textil y lo reconcilie con todo aquello que a veces el arte sataniza, llámese producción en serie, industria, comercio, etc.

Este trabajo, es de clara concepción y tendencia conceptual y por lo tanto, tenía reservas al enviarlo a un concurso donde sabía que la mayoría iban a ser propuestas de mucho trabajo manual. Adicionalmente, mi currículum no es el más escueto pero tampoco es tan impresionante como para permitirme una aprobación instantánea. Por eso, agradezco y destaco la capacidad del jurado seleccionador de ser flexible y abierto, al aceptar este proyecto entre los seleccionados.

Sé de antemano que es la clásica obra juzgada bajo calificativos peyorativos por la aparente sencillez de su confección. Tanto mejor. La justificación del proyecto no sólo quería decirle algo a los artistas textiles y a aquellos que sobrevaloran lo técnico. Yo me incluyo en ese grupo. Yo hago grabado y he durado horas y hasta días para lograr un resultado específico, el mismo que a unos cuantos clicks, filtros de photoshop y unos minutos de distancia, podría obtener en una computadora. Eso a veces me descocierta. Esta vez opté por enfrentar la realidad de forma tajante y admitir que aquello que no ayuda al concepto, sencillamente podría ser prescindible. Esto no pretende ser un postulado prepotente y absoluto, es tratar de ser consecuentes con la realidad y el entorno inmediatos y buscar la forma de obviar sus posibles inconvenientes y sacar partido de las ventajas que ofrece.

(“Camiseta conmemorativa, bienal de textiles 2006: Hombre + Mujer : Creación” fue presentado como la propuesta conjunta de dos artistas grabadores, con actividades propias en la impresión comercial de camisetas, el pasado mes de mayo del 2006 para la consideración del jurado de la IV Bienal de Textiles)

Noticias y enlaces a páginas de artistas relacionados con el arte textil:

Paulina Ortiz
Graciela Cicognani
Gerardo Tempone
Clara Ortiz
terra

¿Necesita materiales de arte?

2006-05-31T10:47:00.000-06:00

Cristo ¿Está seguro que sabe lo que es un via crucis?

Para los grabadores costarricenses la obtención de materiales de buena calidad es a veces una pesadilla. En xilografía (grabado en madera), conseguir papeles de buena calidad y textura es proeza de cine èpico. El "tableau", papel delgado, translúcido de consistencia resistente, simplemente desapareció de la faz de la tierra y al igual que en el grabado en metal, hay que hacerse de la vista gorda usando tintas de litografía offset.

¿Tushe para litografía en piedra? Ja, ja, ja, ja... Hey un momento, ¿cuáles piedras?, si tampoco hay.

La lista es interminable, y aunque estoy de acuerdo que reciclar, adaptarse a lo disponible y tener inventiva suficiente para lograr buenos resultados con pocos recursos es un gran mérito, la verdad, cuando se trabaja con productos especiales diseñados para un fin específico, es bastante más ágil, práctico y sobretodo, placentero.

Ahora bien, qué sucede con la serigrafía. Esta técnica es maravillosa de trabajar precisamente porque la oferta es más variada. La serigrafía es una técnica ampliamente usada a nivel industrial, y eso desemboca en una mayor cantidad de negocios especializados en la venta de suministros. La competencia, en este caso, promueve la eficiencia de las empresas.

Por eso cuando se llega a un lugar como Suretka o ATM, sólo falta que le chupen los pies al cliente y el personal está capacitado para dar una explicación razonable (para personas que no necesariamente practican esta técnica), sobre los productos, sus cualidades y su disponibilidad.

Por eso es de extrañar, como si estuvieran detenidos en el tiempo y el espacio, cual sastrería de judíos en calle 8, quizá salvados por el posicionamiento que su fama y trayectoria les han otorgado, que lugares como Guilá y Jiménez y Tanzi no hayan quebrado.

Jiménez y Tanzi en San José, tiene una oferta decente de suministros de oficina y algunas cosas de arte. Pero de no ser que usted sepa específicamente qué es lo que está buscando, no le recomiendo que vaya a este establecimiento, ya que su personal solamente está capacitado para vender pliegos de papel bond (originalmente limpios y pulcros, pero arrugados y llenos de dedos luego de pasar unos segundos por sus manos). Más les valdría tener monos amaestrados. Por un momento da la impresión de estar en la sección de reclamos del AyA, escuchando ante cualquier pregunta: "no sé" y "no hay" y por supuesto, los mágicos "buenos días" o "gracias" ausentes de esas lacónicas réplicas.

Aún así, soy una idiota. Debí tirarle en la cara los tres tarros de Pebeo Setacolor que compré al escandaloso precio de 795 + iv por dos mini tarritos de 45ml y 1400!!!!! por otro similar, al imbécil del dependiente, quien las dos veces que se dignó a mirarme, parecía que me estaba haciendo el favor de regalarme arroz en el estanco. A veces me desagrada ser tan educada.

De verdad que el dicho de "perro que come huevos, ni quemándole el hocico" tiene su razón de ser. Dada que no es la primera vez que me tratan mal en Jiménez y Tanzi, adivinen quién es el perro.

Por eso amigo grabador, ya que nuestro destino es el de ser entucados sin piedad, es preferible que solamente lo desnuquen, a que lo desnuquen y le griten, siendo internet y una maravillosa tarjeta de crédito internacional sus mejores aliados para el enriquecimiento del patrimonio artístico nacional.

Detalles técnicos, ¡da gusto descubrir el agua tibia!

2006-05-22T14:28:00.000-06:00

Nunca había usado tinta serigráfica para tela que no fuera la famosa "Plastisol". Plastisol es la marca, pero así es conocida popularmente aquella tinta de apariencia plastificada, soluble en thinner y especial para cualquier tipo de telas ya sean sintéticas o naturales. Es como decir: "ocupo unos kotex" o "se me acabó el scotch".

Hoy probé por primera vez tintas, tanto a base como solubles en agua y de verdad que hay una gran diferencia. Parece que todo el mundo las usa, pero yo sinceramente no las conocía.

Consistencia: al igual que el plastisol, la tinta está lista para usarse. No necesita diluyentes. Sin embargo, en el caso de la marca Setacolor (Jiménez y Tanzi), existe un espesante que es recomendado si la impresión es en serigrafía.

Resistencia: Según varios testimonios son practicamente indestructibles. No sólo soportan las lavadas corrientes, sino el cloro y las restregadas.

Transparencia y opacidad: Por sí solas son transparentes. Aparentemente el espesante las vuelve más cubrientes, pero creo que no tanto como el Plastisol donde un color claro con varias pasadas cubre colores oscuros.

Soportes: Funciona muy bien sobre algodón, ya que se absorve de inmediato y por la misma transparencia deja ver los hilos y el tejido, evitando que la impresión quede poco flexible o con esa apariencia plastificada alguns veces deja el plastisol. No sé si funcionará bien sobre nylon u otra tela sintética. Eso sí sería una puñalada a mi corazón.

Contaminación: Esta es una muy buena razón para abandonar el Plastisol aunque se deban sortear otros problemas técnicos. La tinta se quita con agua, no requiere solventes de ningún tipo, así que no hay vapores, olores fuertes, se puede trabajar en un área poco ventilada y la limpieza es rapidísima.

Secado: Seca a temperatura ambiente aproximadamente después de 15 minutos, aunque requiere fijado con calor, ya sea con plancha u horno.

Quiere aprender serigrafía, métase aquí

2006-05-17T10:52:00.000-06:00

Leyendo en el blog de Julia Ardón, "Por la boca vive el pez", encontré un enlace hacia la página del artista contemporáneo salvadoreño Eduardo Chang, participante de la última convocatoria de Artistas emergentes del MADC. Lo que me llamó la atención fueron estas fotos de un trabajo suyo reciente:

Transcribo textual:

"coleccion_invierno/verano__CANADA
Nos encontramos actualmente con el colectivo en los preparativos para montar Colección Invierno Verano en Canada, la exposición fue montada previamente en el Centro Cultural de España en El Salvador y ahora será presentada en Montreal.
Mi proyecto denominado REVOLUTION, discurre sobre las dinamicas de estandarización de los "polos ideológicos" en nuestra sociedad actual. Instigado por la afirmación CHE IS A FASHION VICTIM, produje una línea de ropa, imagenes, objetos (pero sobre todo de "actitudes") que nos remiten a la industrialización y comercialización de las figuras e íconos que guturalmente lucharon contra este proceso (de corporativización de todo).

*FASHION VICTIM es una compañia norteamericana que posee los derechos de reproducción, por lo menos en los estados unidos, de la mítica fotografía del Che Guevara (que Korda le tomase hace ya tanto). Hace un par de años, tras obtener la exclusividad de la reproducción, ordeno la destrucción de miles de ejemplares de camisetas y objetos diseñados en base a la fotografía de otras empresas.
Fue criticada por utilizar textiles y garments producidos en maquilas explotadoras , sobre lo cual no opino nada al respecto.
Tambien hacen camisetas de malcom x, zapata, mao, al capone, boinas y todas esas cosillas necesarias para la revolución de hoy".

En: http://eduardochang.blogspot.com/

Como dato curioso, un amigo de Hong Kong me contaba, que hoy día la figura de Mao, en la forma del ícono característico más popularizado, en China está siendo comercializada como amuleto de buena suerte.

Frazer, La rama dorada

2006-05-11T09:42:00.000-06:00

Sir James George Frazer, antropólogo, (1854-1941) autor de "La rama dorada" que para fines de este trabajo ha sido utilizado para estructurar el "cómo" del pensamiento mágico. Según Frazer, lo que se denomina magia simpatética o conmúnmente conocida como simpática, opera bajo la premisa que las cosas "actúan recíprocamente a distancia mediante una atracción secreta, una simpatía oculta..."

Esta puede dividirse en dos tipos:

1. Magia homeopática (ley de semejanza o imitativa): "lo semejante produce lo semejante, o que los efectos semejan a sus causas". O bien, dos cosas en apariencia parecidas necesariamente poseen las mismas facultades. Ese es caso de las estampas religiosas: el poseer una imagen de la Virgen de los Angeles, a cuya figura se le atribuyen milagros y resolución de problemas, me ayudará a solventar mis propias calamidades personales. También entran aquí los exvotos, que emulan aquello de lo que se carece para lograr obtenerlo, es decir, si deseo una casa, ofrezco como exvoto la representación de una casa.

"El mago deduce que puede producir el efecto que desee sin más que imitarlo", dice Frazer.

2. Magia contaminante (ley de contacto o contagio): "las cosas que una vez estuvieron en contacto se actúan recíprocamente a distancia, aún después de haber sido cortado todo contacto físico".

"El mago deduce que todo lo que haga con un objeto material afectará de igual modo a la persona con quien este objeto estuvo en contacto, haya o no formado parte de su propio cuerpo".

Ejemplos de este tipo de magia, pueden ser el recolectar el agua bendita de la Basílica de los Angeles y llevarla a un enfermo para que este se frote con dicha agua para lograr la curación.

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Frazer agrega, "la magia es un sistema espurio (falso) de leyes naturales así como una guía errónea de conducta; es una ciencia falsa y un arte abortado".

Lo anterior contrasta con la visión de un autor más moderno y de otra disciplina como Gustav Jahoda, psicológo, quien está consciente que la definición de magia y superstición puede provenir de criterios sumamente subjetivos. Para él definirlas correctamente sin incluir juicios de valor preconcebidos, se convierte en todo un dilema, ya que como él mismo acota, las creencias condicionan nuestro comportamiento pudiéndolas llevar a un plano verdaderamente tangible.

Las manifestaciones cotidianas de la magia y la superstición

2006-05-09T15:41:00.000-06:00

Tesis de licenciatura de Emma Zúñiga Valverde, año 2000. Escuela de Filología, Lingüística y Literatura.

El aporte de esta tesis se centra en la enumeración y descripción de rituales o supersticiones cotidianas de las cuales hay un conocimiento muy generalizado en la población costarricense, pero de las cuales no existía un documento escrito que lo sustentara y categorizara. En el estudio se aborda inevitablemente la mezcla entre religiosidad y superstición e inclusive se dedica todo un apartado a la exposición del santoral católico, diferentes vírgenes y demás personajes religiosos con su respectivas características de funcionalidad. Es de notarse que el listado se hace por orden alfabético y no por afinidad, popularidad o filiación con sus devotos.
En la tesis no se exponen cuáles son las supersticiones más arraigadas, o los santos más requeridos, o los rituales mágicos más practicados. Solamente se limita a inventariarlos.

Expone conclusiones generales acerca de la magia, superstición, hechicería y brujería, también enunciadas por otros autores cuya bibliografía ya ha sido revisada:

Psicología de la superstición, de Gustav Jahoda
La rama dorada, de James Frazer
De que vuelan, vuelan.., de Brenes y Zapparoli

La que más me interesa es la representación del culto supersticioso en el ámbito privado, por la fuerte carga peyorativa que este tiene dentro de la cultura oficial. Este concepto será llevado a un nivel gráfico en su momento.

De hecho, Jahoda, admite que el término superstición es subjetivo y la define como aquella creencia o acción que un hombre razonable, perteneciente a la sociedad occidental actual, vería como “supersticiosa”. Es decir, nuevamente, lo que no es ni legitimado ni oficial, mas no necesariamente falso o "de ignorantes".

Como muestra de lo anterior, Emma Zúñiga, comenta un artículo de Monseñor Román Arrieta donde éste se opone abiertamente a las prácticas supersticiosas y las considera "impropias de quien se precie de cristiano".

Emma Zúñiga hace una recopilación de noticias y reportajes publicados en la prensa escrita durante 1990 a 1999, en donde se contengan temas relacionados con magia, superstición y brujería. A manera de curiosidad, el prestigioso establecimiento administrado por mi persona, sale a relucir a propósito de alguno de las tantos reportajes en los cuales ha sido reseñado, en mi humilde opinión, gracias al solapado morbo que despierta este tipo de temas en el común de la gente y del cual los periodistas tampoco están excentos.

Palabras cohetes, o manual del pajoso

2006-05-07T15:50:00.000-06:00

"El discurso, en tanto sistemático, finito y en cuanto inmerso en, y en parte constituyente de la lengua y de las concretitudes por ella expresada, adquiere sentido, es sentido porque es, manifiesta y refleja, la intencionalidad global (consciente-inconsciente; social-individual) del todo social histórico productor de este lenguaje y del discurso por consecuencia."

Palabras cohetes, las llama Phillip Broughton en un simpático cuadro publicado por la revista Newsweek de Estados Unidos, al reproducir un sistema para la elaboración de frases técnicas, inventado por su buen humor.

Columna 1

0. Programación
1. Estrategia
2. Movilidad
3. Planificación
4. Dinámica
5. Flexibilidad
6. Implementación
7. Instrumentación
8. Retroacción
9. Proyección

Columna 2

0. Funcional
1. Operacional
2. Dimensional
3. Transicional
4. Estructural
5. Direccional
6. Global
7. Opcional
8. Central
9. Logística

Columna 3

0. Sistemática
1. Integrada
2. Equilibrada
3. Totalizada
4. Insumida
5. Balanceada
6. Coordinada
7. Combinada
8. Estabilizada
9. Paralela

Se coge al azar un número de tres dígitos y se busca la palabra en cada una de las tres columnas. Ejemplo: 340, es decir, 3, 4 y 0 (en negrita) produce “planificación estructural sistemática”. Cualquiera de ellas puede insertarse en un informe y resonará con decisiva e indiscutible autoridad. Según afirma el “inventor” de este sistema: “nadie tendrá la más remota idea de lo que usted ha dicho, pero, y esto es lo verdaderamente importante, nadie estará nunca dispuesto a reconocerlo”.

Tomado de: un chorro de fotocopias con información crucial para la elaboración de trabajos escritos donado por mi hermana mayor y un chorro de páginas en internet.

Bello mensaje de fin de semana

2006-05-04T11:46:00.000-06:00

La profecía autocumplidora

"las creencias no son únicamente cosas que hay dentro de la cabeza de las personas, pues también afectan a la conducta de ellas"

Psicología de la superstición, Gustav Jahoda

La sugestión puede condicionar las acciones del individuo y por medio de estas propiciar una situación.

Así que, estimados lectores, no sean jaibos y piensen cosas lindas.

Domingo 1:30 p.m. Todo es objeto de fe, todo es objeto de venta.

2006-04-24T10:24:00.000-06:00

Los exvotos en la Basílica de los Angeles, fueron reubicados en una especie pasillo subterráneo a través del cual también se puede accesar la piedra donde apareció la imagen de la Negrita (antes se encontraban en el interior del templo). Es imposible no sobrecogerse al ver personas hincadas frente a esa piedra, totalmente concentradas y absortas en su oración o quizás rogando por la mejora de alguna situación.

Según lo observado y según la variedad de exvotos exhibidos, tal parece que la mayor petición requerida por los fieles y a su vez cumplida por la Virgen de los Angeles, se orienta en su mayoría en la curación de enfermedades o temas relacionados con la salud. Hay una gran cantidad de brazos y piernas, seguidos de órganos y columnas vertebrales.

Estratégicamente ubicadas frente a la entrada hacia los exvotos y también junto a la fuente de agua bendita, se encuentran dos tiendas de artículos religiosos. Imágenes de todo tipo (santos, vírgenes, cristos), tanto en estampita como en yeso, libros, velas, rosarios, escapularios, llaveros e igualmente, anteojos, joyería y tarjetas de cumpleaños, constituyen la oferta principal de lo que alguien cercano alguna vez irónicamente denominó "los mercaderes en el templo". Por supuesto, la urna de los exvotos de lata era la más abarrotada: "¿Tiene cabecitas?", preguntó una señora, mientras la amable vendedora sacaba un cráneo de lata diminuto con un valor de cincuenta colones.

Dicha tienda subsiste por ventas por volumen ya que los artículos más solicitados tienen precios bastante cómodos, casi todo por debajo de un dólar. Aún así, una nada despreciable cantidad de personas haciendo fila en la caja expone un negocio bastante lucrativo.

Lógicamente la estampa de la Virgen de los ángeles es la más vendida, pero curiosamente según la vendedora, San Pancracio, mártir para alcanzar las gracias de Virtud, Salud y Trabajo, es conocido como el santo de los choferes y conductores y por lo tanto, uno de los más cotizados en esta tierra de huecos, baches y carreteras angostas sin señalización adecuada. Le siguen en el ranking el Divino Niño, a quien se le piden favores varios sin ninguna especificidad, pero cuya devoción ha tomado más fuerza aún por la inmigración de colombianos y San Judas Tadeo, el santo de las causas imposibles.

Lo curioso de visitar este tipo de lugares, es observar el impulso de fe que mueve a la gente a adquirir un pedacito de la divinidad que veneran, la necesidad de ponerle un rostro a aquella fuerza superior a quien se le pide un favor e incorporar dichos símbolos a la práctica de un ritual. Por otra parte, también es curioso despojar esos artículos de esa carga devocional y verlos como simples objetos y encontrar que su misticismo proviene únicamente de su consumidor. Tal vez el artículo más revelador de lo anterior son los "stickers" del Corazón de Jesús, a todas luces hechos en serie junto con pokemon, hello kitty y bob esponja. Deliciosa y despreocupadamente maquilados y embalados por algún chino agnóstico o budista y venidos hasta América para reconfortar el alma de miles de creyentes católicos por la módica suma de C 150.00.

Exvotos: ofrendas de gratitud

2006-04-19T16:04:00.000-06:00

Explorar todos los fenómenos relacionados con el pensamiento mágico y las formas que adopta en religión y superstición es ameno e interesante. Sin embargo, es necesario empezar a darle forma a un fenómeno del cual me interesa primordialmente su materialización física.

Es entonces necesario empezar a buscar cuáles son los símbolos más "cotizados" en el mundo mágico-religioso.

Es aquí donde quisiera hablar de los exvotos, manifestación por excelencia de la devoción popular. Los hay de dos tipos:

El exvoto pintado

Este no es tan conocido en Costa Rica, pero como tradición propia de nuestros colonizadores, se dio en lugares como México y algunas otras partes de América, subsistiendo aún hoy en día aunque con menor intensidad.

Consiste en pintar en un lienzo o cartón algún favor concedido, como muestra de agradecimiento al santo o virgen que fue requerido y cumplió el deseo. Luego son llevados al altar o iglesia donde se ubica alguna imagen de ellos y se deja allí a manera de ofrenda.

Este tipo de exvoto puede ser hecho por encargo por un artista, pero generalmente es el favorecido o algún familiar quien lo confecciona. Es por esta razón que la mayoría adquiere esta apariencia tan ingenua, que intenta ser realista en el tratamiento de la figura humana pero que inevitablemente termina siendo desproporcionada y con defectos de perspectiva. La divinidad también tiene que estar representada y generalmente (de manera un tanto involuntaria) se le da un tamaño mayor con respecto al resto de los elementos del cuadro para representar su carácter superior. Una de las finalidades del exvoto pintado es evitar dejar alguna duda del tipo de favor concedido, razón por la cual casi siempre se acompaña de un texto que confirma lo ilustrado, a la vez que está firmado por el ofrendante. Casi nunca es anónimo. Hay otros que se interesan también por representar el proceso que materializó exitosamente la petición y el formato se divide en pequeños cuadros con su respectiva explicación. A mí me recuerda un cómic con todo y sus viñetas.

Doy gracias a la Sma. Virgen de Zopopán Por Haberme Librado de Morir Electrocutado (lugar y fecha ilegibles) Salvador Briceño Perez.

La variedad de temas es infinita. Existen desde los que agradecen por la resolución de problemas bien serios como curación de enfermedades o el librarse de un accidente, como aquellos que manifiestan gratitud por cuestiones más superfluas como el bienestar de una mascota o la obtención de un novio. Todo lo anterior, reafirma ese carácter ingenuo tan particular, divinamente tosco.

El exvoto en bulto:

Muy popular y conocido en Costa Rica, sobretodo a través de la devoción hacia la Virgen de los Angeles. Ya sea en cobre o bronce, pero generalmente en oro o plata, el exvoto en bulto es una representación en miniatura del bien obtenido o la parte del cuerpo salvada. Manos, pies, hígados, seres humanos de cuerpo entero, senos (hasta ahora nunca he visto penes)o bien, animales, casas, carros, herramientas son confeccionadas y luego ofrendadas. En este caso, al representarse figuras aisladas de un fondo, la proporción no parece tener mucho peso.

Aquí sí es más común que exista cierto grado de anonimato al haber una imposibilidad de grabar o escribir un nombre en una pieza de tamaño tan pequeño.

Es usual que en vez de confeccionarse una parte del cuerpo, se ofrezcan artículos como muletas o prótesis como una forma de testificar acerca de la obtención de un milagro y la sanación propiamente de un miembro específico. Al igual que el exvoto pintado, se confecciona para estar exhibido y las grandes paredes tapizadas de miniaturas sugieren el poder de la divinidad ofrendada. La cantidad de exvotos en la Basílica de Cartago es tan grande, que hace imposible la exhibición de su totalidad.

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En ambos tipos no sólo está presente la necesidad de patentizar la obtención de un beneficio gracias a la intercesión de un ser superior sino que existe un deseo de encontrar representaciones más concretas y tangibles a los milagros o la fe en determinada divinidad. Parece que es inherente al creyente buscarle forma reconocible a los aspectos de matices más abstractos para poder transmitírselos con mayor efectividad tanto a sus inmediatos en el plano terrenal como a sus dioses en el celestial.

Otra particularidad que está presente en la devoción a través de los exvotos es el carácter público, y en el caso de los exvotos en la Basílica de los Angeles, su importancia dentro de un ritual específico, como lo es la peregrinación de los romeros cada 2 de agosto. También se infiere a través de la firma quien expresa su gratitud. Ya sea una manifestación gestada dentro de la religiosidad popular, igualmente está enmarcada dentro de la oficialidad que exponían May Brenes y Mayra Zaparolli en "¡de que vuelan, vuelan...!", y por lo tanto, se concibe como una conducta aceptable.

"¡DE QUE VUELAN, VUELAN...!"

2006-04-17T11:02:00.000-06:00

Un análisis de la magia y la brujería en Costa Rica,
por May Brenes Marín y Mayra Zapparoli Zecca, 1991.

(Kiki's delivery Service de Hayao Miyazaki)

A todos mis cientos de fans, me disculpo por mi prolongada ausencia. No soy lo suficientemente nerd para resignarme a permanecer en San José en Semana Santa y sí lo suficientemente pola como para abarrotar las magníficas playas nacionales y las deplorables carreteras que hay que transitar para visitarlas. La nerdada sólo me alcanzó para llevarme dos libros de los cuales el antes mencionado fue el feliz favorecido en la lectura.

Este texto abiertamente feminista, bastante ameno y digerible, relata el nacimiento de la persecusión de brujas desde más o menos el siglo XIII. Según dicen las autoras, lo que en un principio se entendió como "el culto a la diosa madre", en donde la consanguinidad se trazaba a partir de la línea materna y se fundamentaba en características primeramente de fertilidad y luego depuradas hacia ideas de protección, liderazgo e identidad, luego fue tergiversado por la iglesia Católica y los poderes políticos y económicos, como el culto al demonio. Me llamó la atención conocer de dónde surge la figura de tintes satánicos del macho cabrío quien no era más que el cabrito existente en las representaciones de Diana Cazadora, la diosa romana.

Lo interesante de esta introducción, es la afirmación de la existencia de la brujería por parte de la propia Iglesia Católica. "El no creer en la realidad de la brujería y en la de toda su magia se convirtió en herejía." Esto no siempre fue así, pero una vez posicionada la idea, esta ha trascendido hasta nuestros días en el pensamiento popular.

Si no estoy errada, Juan Pablo II redefinió el concepto de "infierno" a un estado de ausencia de Dios, abandonando aquellas imágenes dantescas de calderos hirvientes y muñecos con cachos y tridentes. Mas los pensamientos no pueden cambiar con un chasquido de dedos, además que en lo personal es mucho más conveniente echarle la culpa al diablo que a mi torpeza.

El castigar entre los siglos XIII y XVII la adoración al demonio se fundamenta tanto en la violación del primer mandamiento (amarás a Dios sobre todas las cosas) como en que todos los "trucos" y "encantamientos" de la brujería son verdaderos.

Más tarde se aborda el tema de la brujería y los matices que vino a tomar en América Latina al mezclarse el colonialismo, las creencias indígenas y la religión cristiana. Aquí también se toca el tema de las características de las prácticas religiosas oficiales y por consiguiente el matiz que toma todo aquello excluído de esa oficialidad. Lo anterior, junto con la idea de la brujería como algo maligno y según las autoras, adicionalmente por el origen misógino de la misma, las supersticiones toman un carácter asocial y son constantemente sometidas a juicios peyorativos y hasta con consecuencias en el ámbito legal. De ahí, su perfil de subcultura. De ahí también, que sin importar el estrato social, el descalificar esta práctica sea algo natural.

Otra valioso aporte es analizar y explicar en conceptos concretos el innegable parentezco entre religión y brujería. El sincretismo propuesto por las autoras, "acto por medio del cual se unen en una misma ceremonia ritual o creencia, aspectos de las dos culturas convergentes que integran lo sagrado y lo profano en una nueva versión", expone los elementos comunes en que se rigen ambas tendencias. Aquí el elemento de fe, es un eje fundamental en ambas.

De una forma más cercana a la idea de mi trabajo, se expone la importancia de las representaciones tanto en la religión como en la brujería. Basándose en el fenómeno de la Ley de Semejanza Externa (dos cosas morfolóficamente semejantes están dotadas de las mismas propiedades), se alude a los exvotos (manos, piernas, casas o animales de oro, plata o bronce) ofrecidos a la virgen de los Angeles y las estampas de santos y vírgenes a las que se les atribuye algún poder. En lo concerniente a las estampitas y oraciones, estas se consideran valiosas mercancías en una Iglesia que lucra con la venta de las mismas y que por esta razón, es tolerante a la adoración de las mismas.

El libro es interesante y además con una claridad bastante didáctica. Sin embargo, resiento en la obra un salto cronológico abrupto entre el desarrollo de la historia de la brujería en Europa y la transcición a la vida moderna costarricense, desmereciendo la fluidez de la lectura y sobretodo, forzando los contenidos y adaptándolos a la visión de las autoras. Asimismo, admito que la orientación feminista sesga algunas conclusiones, como por ejemplo, que la brujería es venida a menos por ser considerada una práctica femenina desde tiempos antiguos y por ser supuestamente mujeres las que en la actualidad se desempeñan como "brujas" a manera de oficio.

A propósito de Semana Santa

2006-04-11T10:25:00.000-06:00

"Moral tradicional y religiosidad popular en Costa Rica (1880-1920)"

de Elizabeth Poveda

Revisando esta obra de 1997, me encontré con algunos aspectos útiles para mi marco conceptual. La dialéctica generada entre religiosidad popular y tradicional católica, se estudia primordialmente desde el punto de vista de género. Se exponen cuáles son los modelos que tanto hombres como mujeres deben seguir. Sin embargo, a través de testimonios orales y escritos, la autora comienza a esbozar una situación de doble moral religiosa detonada en gran parte por las incongruencias en el comportamiento de muchos de los líderes religiosos de aquella época. Al abordarse el tema de la sexualidad y el matrimonio y en consecuencia el de la fornicación y el adulterio, aquello empieza a complicarse. Aún más cuando todos y cada uno de los comportamientos sociales tienen una estricta regulación. Paralelamente se relatan cantidad de faltas en que curas incurren sin el menor reparo, irrespetando el celibato o abusando de su autoridad eclesiástica para manipular o insultar al pueblo.

De ahí que la autora concluye que el pueblo entra en un estado de "confusión" y su doble moral proviene directamente de la reproducción de un patrón similar en los miembros más inmediatos de la jerarquía religiosa

Aunque mi tema no se orienta a discutir sobre la discriminación de género o la descarada vida sexual de los sacerdotes, sí encontré interesante el hecho de que en la religiosidad popular siempre existe un elemento de rebeldía originada en la imposibilidad de vivir bajo específicas normas, sacramentos y preceptos ético morales venidos de la Iglesia así como la dificultad de copiar los diferentes modelos impuestos. Es decir que el exceso de restricciones se traduce sobre los feligreses en resultados contraproducentes o en actitudes de entrega desordenada a los mismos vicios que la misma iglesia reprende.

Nota: A pesar que yo toda la vida odié ir a misa, históricamente los atropellos de la religión son palpables y abril es un excelente tiempo para ir a la playa, para mi regocijo algo de educación me ha hecho más tolerante en alguno que otro tema. Así pues, los exhorto a visitar las diferentes procesiones y a disfrutar del ritual y el fervor religioso verdadero que se vive en ellas. Es interesante fijarse en los sepulcros e imágenes. Algunas de estas figuras de madera y escalofriante pelo natural, como en el caso de la Catedral Metropolitana, datan de finales y principios de siglo y fueron confeccionadas por escuelas guatemaltecas de tradición imaginera o por ticos pioneros en ese campo.

La santísima trinidad

2006-04-04T11:01:00.000-06:00

Hasta este momento, dentro del planteamiento del proyecto tenemos tres conceptos básicos: religión, superstición y comercio. Los dos primeros son relativamente fáciles de representar porque cuentan con imágenes propias harto conocidas. No es mi intención, estilizar o cambiar radicalmente la apariencia de un ícono religioso, por ejemplo. Son mis ready mades. Solamente quiero mezclarlas para ilustrar sus diferentes formas interacción. Sin embargo, también quisiera ilustrar la particularidad de que ambos elementos en algún momento, conjunta o separadamente, son comercializables. El comercio es un tipo de demonio moderno también al que la religión le guiña el ojo con sospechosa frecuencia.

Es por esa razón, e influida por mi formación previa como artista gráfica, que quisiera orientar el proyecto hacia la impresión de esas imágenes en objetos de consumo cotidiano, en su mayoría prendas de vestir. La vestimenta, con pocas excepciones, es una necesidad universal. Al echar mano de las prendas de uso común, quisiera representar la presencia del pensamiento mágico en la totalidad del colectivo y cómo este puede mutar tan fácilmente como lo es cambiarse de camisa. Otra variable que he considerado es estudiar y conocer el simbolismo de la vestimenta religiosa y aplicarla al ámbito supersticioso, como una forma de crear un vestuario análogo.

Es un juego de dualidades supuestamente irreconciliables. Comercio/arte, superstición/religión. En teoría radicalmente distintas pero tan dependientes una de la otra que a veces sus límites se vuelven difusos.

Arte emergente en el MADC

2006-03-30T09:32:00.000-07:00

Uno de los objetivos principales del proyecto de quinto año es el montaje de una exposición individual en alguna galería local. Como es natural, observar los mecanismos, ideas y pensamientos de otros artistas en el ámbito nacional es un ejercicio fundamental. Por afinidad generacional, quisiera comentar la segunda muestra centroamericana de Arte Emergente en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo.

Las exposiciones del MADC han tomado características muy particulares, diferentes al resto de las galerías de arte. En primer lugar, se destaca por ser el museo que más auge da a las tendencias conceptuales y sobre todo el que más intenta proyectarse activamente hacia la comunidad artística y general. Foros, charlas, cine y últimamente hasta una cafetería están a disposición del público de forma constante. Adicionalmente, el museo presta sus instalaciones para la realización de eventos particulares de índole cultural pero en un rango más amplio y hasta si se quiere, globalizado. Ferias relativas al animé y el manga japonés, la venerada Star Wars, el club de go o conciertos de música popular, desacralizan la percepción que tradicionalmente se tiene de los museos y donde no sólo los artistas en su concepción más convencional tienen cabida, sino también los geeks... mmm, el público de gustos alternativos.

Se ve claramente como los directivos del museo manejan un concepto de cultura mucho más flexible (o seguro también son geeks), y tienen la suficiente visión de utilizar con eficiencia la magnífica infraestructura con la que cuentan.

Es por esta razón de criterios amplios y proyección hacia la comunidad general, que se gestan proyectos como los de Arte emergente. En general, con sus salvedades, es una serie de propuestas bastante homogénea, tanto en solución gráfica como en cuanto a ideas. Técnicamente, persiste un gusto por los medios digitales, muy acorde con la tendencia conceptual donde el proceso de elaboración es secundario. Tal vez eso explique el porqué de la escasez del grabado en cualquiera de sus técnicas. Según mi pobre memoria, sólamente dos obras en xilografía de 58 posibles. Lo digital, al ser masivo, tuvo una presencia mayor en los ganadores y en las menciones. Pienso que el jurado trató de ser justo y premiar una obra por técnica, aunque esto nunca se ha dicho oficialmente. Video, pintura, dibujo, escultura, foto y hasta una propuesta arquitectónica.

Debo alabar a los miembros de mi gremio (no el de los comerciantes de brujería sino el de los diseñadores gráficos), donde considero están las propuestas más sólidas y contundentes. Quizás porque en las agencias de publicidad y en el diseño comercial en general, la oportunidad de divagar es menor y el trazado de objetivos es necesario, hay discursos más claros. Bruno Munari califica de proyectictas "románticos" a aquellos que obvian la disciplina profesional y la metodología. "Romántico" es el eufemismo para improvisador y vago. Documentar y teorizar no es sinónimo de rigidez y ausencia de espontaneidad.

Una de las cuestiones que más me llama la atención en el MADC es la orientación didáctica que tienen sus exposiciones. Todo tiene un rótulo con una breve explicación sobre la obra y las motivaciones del artista para crearla, lo cual a veces, es arma de doble filo. En algunos casos, dicha explicación complementa magníficamente la pieza que se observa, convirtiéndose en un elemento útil para su apreciación pero no el único recurso existente. En otros casos, la obra es incomprensible sin un manual adjunto y eso hace cuestionar hasta dónde es necesaria la representación gráfica si lo escencial se encuentra en el documento escrito. Otras obras encuentran en la cédula explicativa una mera redundancia. El último caso es el más desconcertante porque como espectador se observa una idea y en el papel se perfila otra, faltando no poca coherencia entre ambas.

La escogencia del tema es escencial, pero más importante aún es cómo este se aborde. En términos generales los proyectos se orientan en dos vertientes: la denuncia y la observación del entorno.

El más corriente y popular demonio de la comúnmente llamada "denuncia social", es Estados Unidos. Sin embargo, Mc Donald's y Wal Mart, ya tienen competidor y Michael Moore, corre el riesgo de quedar desempleado. Poco a poco China se perfila como el nuevo gran enemigo, la materialización del chupacabras capitalista. Y los discursos panfletosos se repiten, presentándonos la misma telenovela sólo que son diferente protagonista. Otras propuestas se centran en la denuncia a nivel más doméstico, y aquí le toca al gobierno y a los políticos su dosis de protagonismo. En este particular resiento que el grueso de estas apasionadas denuncias se alimenten en la simple y llana queja y adolezcan de propuestas inteligentes que la complementen.

(Si en verdad China va a dominar el mundo, ojalá no le dé por clonar seres humanos. Me resulta terrible imaginar una nueva generación de personas "defectuosas", de huesos frágiles que se quiebran o desmontan con la mínima caída y con vida útil de 5 minutos).

Los otros temas se centran en conflictos personales. Los cuestionamientos de índole existencial no siempre salen airosos, algunas obras sólo provocan encogerse de hombros, pero hay otras donde la ironía y el humor, ayudan a establecer una crítica mucho más ágil y razonada.

Otro aspecto reelevante es la relación tema/geografía. La muestra es a nivel centroamericano así que es inevitable que transpire guerra o guerrillas, así como a sus hijos bastardos: las maras. Aquí lo interesante no es enfrentarse con información disponible en cualquier periódico o noticiero, sino más bien, entender al artista como un fruto de su entorno y cómo estos son influidos a veces inconscientemente. "Nicaragua es la cenicienta de centroamérica", leí alguna vez. No es una apreciación equivocada. Cuando se observan diferentes estadísticas, generalmente los índices económicos y de bienestar social, arrojan los resultados más alarmantes de la región. No es gratuito que las obras nicas respiren un aire pesismista y medio sombrío.

Aunque salí de la exposición pensando en que la vida no vale nada, todo está muy mal y nos vamos a morir, dejando de lado los delirios apocalípticos, logré llegar a las siguientes conclusiones:

1. En términos generales estoy satisfecha con quienes recibieron menciones o ganaron. La única obra que pienso destacó por una cuestión de complacencia y sensiblería, fue la relacionada con la noticia de los perros Rottweiller y Natividad Canda.
2.Las obras con temas muy generales pecan de dispersas y no hacen un aporte significativo. Todos sabemos que en Costa Rica hay corrupción, no se necesita ir a un museo para enterarse. Es necesario a la hora de plantearse opciones, delimitar e ir más allá del lugar común.

3. El agua tibia ya fue descubierta. Esforzarse por no repetir lo dicho hasta el cansancio, evitar la queja vacía y explicaciones rebuscadas. Con una buena hablada y palabras de domingo, cualquier cosa podría ser justificable.

3. Con respecto a la relación obra y espectador, la sensatez de un artista debería someter a constante revisión personal y pública las obras que produce antes de lanzarlas a una exposición como propuesta definitiva. La guía de un mentor, el escuchar a los propios colegas, agruparse con artistas de línea similar y en general, cualquier ejercicio de retroalimentación que pueda darme pistas sobre la percepción de dicha obra.

4. ¿En qué momento la culpa dejó de ser de los extraterrestres?

El lujo, según Bruno Munari

2006-03-29T08:54:00.000-07:00

Ayer martes, fue un día muy provechoso. Vi Shaolin Soccer, de Stephen Chow, el mejor director y la mejor película del mundo respectivamente (gracias Osker y Cinemax) y terminé de leer "¿Cómo nacen los objetos?", de Bruno Munari (gracias Alberto).

A propósito de mis "elucubraciones" (gracias Sardina), en un mensaje anterior, encontré atinado este extracto:

"El lujo es la manifestación de la riqueza incivil que quiere impresionar a quien se ha quedado pobre. En la manifestación de la importancia que se le da a todo lo exterior y revela la falta de interés por todo lo que es elevación cultural. Es el triunfo de la apariencia sobre la sustancia.

El lujo es una necesidad para mucha gente que quiere tener una sensación de dominio sobre los demás. Pero los demás si son personas civiles saben que el lujo es ficción, si son ignorantes admirarán y tal vez hasta envidien a quien vive en el lujo. Pero ¿a quién le interesa la admiración de los ignorantes? Quizás a los estúpidos.
De hecho el lujo es una manifestación de estupidez..." "...El lujo es pues la utilización impropia de materiales costosos sin mejorar sus funciones. Por tanto, es una estupidez.

Naturalmente el lujo está relacionado con la arrogancia y con el dominio sobre los demás. Está relacionado con un falso sentido de autoridad. Antiguamente la autoridad era el brujo que tenía aderezos y objetos que sólo él podía poseer. El rey y los poderosos se vestían con costosísismos tejidos y pieles. Cuanto más sumido en la ignorancia se tenía al pueblo más rodeada de riquezas se mostraba la autoridad..." "A medida que desciende el analfabetismo la autoridad aparente disminuye y en lugar de la autoridad se considera la autoridad reconocida".

Bruno Munari, artista, diseñador industrial y gráfico, escribe estas disertaciones pensando en la elaboración de objetos eficientes funcional y estéticamente, y concluye "el lujo no es un problema de diseño". En su libro propone la sistematización de una "metodología proyectual", es decir, pasos que en un orden preciso constituyen una guía para resolver problemas, en el caso, de él, diseños o productos de índole principalmente industrial. Aunque el autor no pretende elevar dicho método y sus pasos a un nivel absoluto e inquebrantable, sí apuesta por la tenencia de una documentación y un estudio adecuado que eviten el "inventar" lo ya harto conocido, o como dicen "descubrir el agua tibia".

El método como tal, no es exclusivo para diseñadores, ya que este aplica a cualquier problema, ámbito y profesión, al estar inspirado en las cuatro reglas del método cartesiano.

¿Porqué?

2006-03-23T19:37:00.000-07:00

La primera vez que tuve de cerca un perfumito de la suerte fue hace 14 años cuando le ayudaba a mi papá a hacer inventario de mercaderías en su tienda. Yo había dejado de ver a mi papá por muchos años y por consiguiente, dejé de frecuentar su negocio. "Perfume Makumba...3 unidades", decía él con toda naturalidad, mientras yo soltaba una risilla entre asombrada y burlona y apuntaba aquello en un cuaderno.

Fue ahí donde me di cuenta, el rumbo que había tomado el bazarcito de antes inocentes adornos y collarcitos surtidos. Ya no era sólo aquel lugar exótico de chunches raros, era el lugar de chunches raros que traían suerte.

Paralelamente con la universidad, empecé a ayudar a mi cansado papá con el peso de las ventas. Cuando llegó por primera vez un lote de doce perfumes "Amarra hombre", entré en pánico. En el colegio siempre me sentaba en el último pupitre, sabía las respuestas y por pura vergüenza, jamás levantaba la mano. Igualmente soñaba con trabajar en un laboratorio u oficina al mejor estilo de un dependiente de motel, es decir, sin tener que verle la cara a nadie.

Fue así como me convertí oficialmente en vendedora y más aún, en vendedora de perfumes para el amor y la suerte. Al que no quiere caldo, dos tazas, reza el refrán. El reto a mi timidez fue muy grande, como un empujón al vacío. De ahí en adelante, el aprendizaje y la acumulación de las experiencias más bizarras comenzaron. Después de unos cuantos años detrás del mismo mostrador, me volví carebarro y pocas cosas me dan vergüenza, pero aún así, no dejo de sorprenderme con las peticiones, historias y el particular universo que cada cliente agüizotero tiene en su cabeza.

La anterior historia es simplemente una forma de ejemplificar el porqué me interesé por el tema de las supersticiones y no otros, en el amplio enfoque que algo tan general como cultura popular pueda tener. La clave está en lo vivencial. Esa es una de las formas más populares y eficientes en el proceso de entender la obra de un artista, es decir, familiarizarse con su contexto y sus experiencias más inmediatas. Quizás sin proponérmelo, es como haber adelantado una especie de trabajo de campo pero del cual solo se tienen anotaciones mentales y se hace imperante documentar. En mi caso particular, por la vía gráfica.

Superstición y religión

2006-03-22T18:47:00.000-07:00

Costa Rica es un país en su mayoría practicante del catolicismo. El estudio de las prácticas religiosas y su iconografía constituye una eficaz forma para determinar costumbres y patrones de vida. Sin embargo, qué pasa cuando todo ese fervor se entremezcla con la superstición. Si bien es cierto, la religión católica tradicionalmente ha rechazado todo tipo de prácticas esotéricas, condenándolas y dándoles un carácter “diabólico”, los supersticiosos parecen no tener ningún problema en introducir lemas, imágenes y oraciones propias del catolicismo e inclusive dicen ser “iluminados” o “guiados” por alguna directriz de carácter divino.

En Costa Rica, no se puede hablar de santería propiamente, porque esta es más cercana a etnias caribeñas y porque en el país la diferenciación entre el santo católico y la deidad santera es clara y contundente. Además según Wikipedia ( http://es.wikipedia.org/wiki/Santer%C3%Ada) el término “santería” propiamente, ha sido utilizado en diferentes ámbitos como un despectivo de algo que tiene más de religión que de creyencería, por tener deidades con sus respectivas jerarquías además de rituales muy bien definidos y motivaciones de índole espiritual.

En nuestro país el supersticioso goza de licencias infinitas. No sólo su propia religión se convierte en parte fundamental de sus prácticas, sino que se vale de otros credos o mitologías para complementarse. Esa escasa restricción donde Budas, dragones, vírgenes, santos, inciensos, lotería, elefantes, tarots y jesucristos conviven sin ninguna incomodidad, es la fuente de un rico estudio iconográfico. La representación de ese interesante imaginario, su particular interacción y la exótica irracionalidad que esta ofrece, me brinda hartas posibilidades gráficas y es ahí donde después de mucho pensar e investigar, decidí enmarcar mi proyecto.

2006-03-14T09:54:00.000-07:00

• "Se ve espantoso

MUSEO DE ARTE CONVERTIDO EN TENDEDERO DE CALZONES, MEDIAS Y PANTALONES

Así estaba el Museo de Arte Costarricense ayer: parece un precario, lleno de ropa tendida al viento.

¡Increíble! Ayer el Museo de Arte Costarricense (MAC) de La Sabana, frente a la famosa estatua de León Cortés, llamó la atención de diversas personas que pasaban por la existencia en su azotea de decenas de prendas guindadas como tendedero de pobre.

DICEN QUE ES UNA OBRA DE ARTE

Consultado Óscar Garro, vocero que estaba en el Museo ayer, confirmó a DIARIO EXTRA que la llamativa ropa es parte de una obra de arte, la cual se usará o al menos se exhibirá dentro de varios días en el Festival de las Artes (FIA). Coincidió en que la ropa es llamativa y que varios medios de comunicación pasaron para preguntar por el asunto."

Me encanta la Extra

¡Festival de las Artes!

2006-03-13T09:18:00.000-07:00

Página oficial

No voy a mentir, el festival de las artes me parece genial, pero me emociona más que viene Jamiroquai en abril!!!

Además, yo quería ir a ver a Bocca Tango al Melico, pero no joda, es un rebollo.

Por eso, viva lo bueno, bonito y barato (si es gratis mejor).

Prefiero pagar 12.000 en la guácima que 12.000 en el gallinero.

ARTE POP, II parte

2006-03-12T11:25:00.000-07:00

Antes, algunas definiciones y comentarios

Expresionismo abstracto

"Alude a sensaciones o emociones propias del sujeto creador" (Valenzuela Cirlot, Lourdes, Historia del arte, últimas tendencias). ¿Eso qué significa? Primeramente la obra se gesta directamente en el aspecto sensible del artista, (es en ese particular una concepción más intimista) y toda esta carga emocional se vierte en el acto mismo de realizar un objeto artístico. Por lo tanto, le concede gran importancia a la técnica y a las posibilidades del medio pictórico: dripping o chorreado, la expresividad y gestualidad tanto de las líneas como de los brochazos o la materia en sí misma y su capacidad de texturizar. Cabe destacar que esto implica un distanciamiento con la figuración y un acercamiento a la abstracción. Lourdes Valenzuela también afirma que se basa en lenguajes excesivamente intelectuales y por consiguiente, elitistas.

Jackson Pollock, uno de los principales representantes de la pintura de acción estadounidense, hace su característico chorreado sobre lienzos dispuestos en el suelo.

Dada

"El Dada o Dadaísmo fue un movimiento artístico surgido en Europa (Suiza) y en Norteamérica en 1915, que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido" (http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo). Es por esta razón que hay en las obras (en particular las escultóricas me llaman la atención), una dosis muy alta de absurdo.

Dada

Si aquella raya blanca del primer mensaje de este blog es una afrenta, esta obra de Marcel Duchamp, uno de los principales artistas dadá, es un escándalo! Pero casualmente, esa es su intención. Una rueda de bicicleta sobre un banco flotando se vuelve inútil, al menos en su sentido práctico tradicional. Despojar de funcionalidad los objetos cotidianos se convirtió en tema recurrente para el dadaísmo.
Sin embargo, aunque el dadá, es una clara influencia en el arte pop, lo que me interesa de éste, es el concepto popularizado por ellos, el de "ready made".

Ready made

El banco de la foto es un ready made, al igual que la rueda de bicicleta. ¿De dónde proviene la idea de poner, por ejemplo, en un museo, un objeto aparentemente tan ajeno a éste? Precisamente, el concepto se sustenta en una clara crítica a las intenciones intelectuales y al elitismo que mencionaba Lourdes Valenzuela acerca de algunas manifestaciones de arte (el expresionismo abstracto, curiosamente, siempre es mencionado como ejemplo en este particular). El poner determinado objeto fuera de contexto, el arrancarle su valor meramente utilitario (el banco es para sentarse y las ruedas de bicicleta son básicas para que esta ruede), es una forma en primera instancia, de brindar al espectador objetos reconocibles o familiares . Eso podría tacharse de complaciente, pero cuando uno cae en cuenta que la idea es ironizar sobre los alcances del arte, la cuestión se torna interesante.

Los artistas pop adoptaron la idea del ready made, el cual caía como anillo al dedo en el proceso de aprehensión del entorno urbano y popular. Marilyn Monroe, las botellas de Coca-Cola, las fotos de revistas, son todas ellas ready mades. Sin embargo, los mismos dadaístas experimentaron algo de rechazo hacia los "pops" al acusarlos de darle valor estético a estos objetos ordinarios para allanar un proceso de identificación entre el espectador y la obra. Esto nunca fue la intención de los dadaístas al implementar los ready mades.
Acerca de esto último, debe tomarse en cuenta que el Dadá, es un movimiento anterior a la II Guerra Mundial y el arte Pop es posterior y aquí, especulo, (debo sustentarlo mejor) el cambio generacional y sobretodo la nueva visión que implica el sobrevivir una guerra podría influir.

Conclusiones

Leer sobre historia del arte es curioso porque, en muchas ocasiones, hay una tendencia a basar el quehacer artístico en la pura confrontación. Una corriente se contrapone a otra, como apunta Edward Lucie-Smith en "Movimientos en el arte desde 1945", buscando la "originalidad" en el deseo de tener predecesores mas no así antecesores.
Así, el arte Pop intenta desvirtuar de alguna forma la metódica intelectualización del expresionismo abstracto, otorgándole al arte un papel más cercano a las masas. En Costa Rica, el arte abstracto en los sesentas, vino a promover el abandono de lo clásico como el modelo oficial a seguir. Y así, aunque todas las tendencias se nutren entre sí y es difícil ya encontrar algo totalmente novedoso u "original", la dinámica que esta confrontación genera ya es deporsí interesante.

ARTE POP

2006-03-08T18:50:00.000-07:00

El arte pop es un movimiento artístico surgido de la cultura urbana inglesa y estadounidense existente, posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Un repaso por diferentes obras y diferentes autores, nos muestran una apreciación particular del entorno. El consumismo, tan satanizado y a la vez difundido en el mundo contemporáneo, aquí se nos presenta como objeto de curiosidad. Igualmente, lo común en el medio ambiente urbano, da como resultado la representación de productos hechos en serie (la famosísima lata de sopa Cambell's de Andy Warhol arriba ilustrada), estrellas del ámbito artístico, dinero, autos, fotos de revistas, historietas y todo aquello de consumo masivo y comercial. Lo artístico deja de ser una creación "pura" de la mente del artista y pasa a valerse de cuanto aparece a la mano y a la vista.

El arte pop surge como una oposición a la corriente más popularizada en su época de aparición (la década del 50), es decir, el expresionismo abstracto.

Difícil es encontrar en otros movimientos artísticos, visiones tan lúdicas y relajadas sobre el entorno y el contexto. El arte pop es un culto al placer, es descaradamente hedonista y sin prejuicios hacia la fantasía popular.

Es muy dado a tener ironía y algo de sarcasmo. Un ejemplo de lo anterior, puede verse en una de las obras más representativas del arte pop británico: ¿qué es lo que hace a los Hogares de Hoy tan Diferentes, tan Atractivos? de Richard Hamilton.

Un fisicoculturista en una sala de estar, sostiene una paleta mientras una mujer en una pose sugerente mira sensualmente hacia la nada.

Contrariamente a lo que nuestras mentes modernas podrían pensar, el arte pop nunca fue un "sermón" crítico de la cultura de masas, es más bien una exaltación o ejercicio conceptual sobre el entorno. Es más una aproximación hacia el ambiente que representa y obvia quedar en la simple apreciación.

Del reguetón y otros demonios...

2006-02-27T18:50:00.000-07:00

(lanzando ideas)

Un curioso artículo de Leo Garnier ( http://www.leonardogarnier.com/index.php?option=com_content&task=view&id=502&Itemid=0 ), exponía que los multimillonarios no querían confundirse con los ricos. Curioso. Se diría que es prepotencia o esnobismo, pero traslademos ese mismo sentimiento a la clase social a la que pertenecemos y el resultado es el mismo. Los bienes que se consumen, la apariencia, las costumbres y el vocabulario, apunta hacia esa misma tendencia, es decir, el no querer ser confundido con alguien de nivel social menor o aparentar pertenecer a otra superior.

La clase media no es la excepción. En este sector, educado y con accesso a la mayoría de servicios e información, surge la necesidad de tener espacios de socialización específicos sometidos a gustos y preferencias determinados. Pero paradójicamente, estos que tradicionalmente, tienden a criticar la masificación, se agrupan con la misma ingenuidad y compulsión en virtud de legitimar sus gustos, y terminan siendo solamente una versión más de lo que tanto dicen odiar.

Por eso yo repudio el reguetón y A todo dar. Para compensar oigo Hip Hop y veo MTV.

Este fenómeno va más allá de la necesidad de filiación normal en el ser humano. Radica en un oscuro deseo de no parecerme a ese que es más "feopobreignorante" que yo. Así pues, el que tiene más educación o estatus, amparado en sus cualidades intelectuales, termina eliminado "por defecto" cualquier manifestación relativa a aquellos que rechaza: reguetón, telenovelas, fútbol y un larguísimo etcétera, agregue usted lo que más aplique a su contexto.

Yo creo que estar condicionado a ejercer este rechazo denota tanta o más ignorancia que la que se dice criticar. Satanizar y perseguir todo aquello que no se encuentre dentro de nuestro entendimiento o hábitos, es la base ideológica para el atropello, la colonización y las guerras. Asímismo contribuye a polarización de las clases sociales y la intolerancia.

Por eso quizás una exploración de la cultura popular urbana, me acerque a entender más este fenómeno y me ayude a aportar una visión menos sesgada de ciertas manifestaciones que aunque de alguna forma chabacanas, son parte de un entorno y contribuyen de alguna u otra forma a conformar una identidad más lúcida y realista.

Reinventar lo cotidiano

2006-02-24T14:25:00.000-07:00

"En cierta forma todo el arte popular es abstracto" Manuel de la Cruz González.

Entre los escritos de uno de los más importantes representantes del arte abstracto en Costa Rica, se hallaba esta aseveración, la cual hacía directa alusión a los patrones y geometrías que componen los diseños de las carretas típicas.

Este, volvió los ojos hacia un objeto popular y lo adaptó a una nueva estética. Lo sintetizó, lo reinterpretó y le dio nueva significación.

Sería interesante tomar esta misma idea de González y aplicarla a objetos o espacios populares de hoy. No me refiero a una carreta típica o algo similar, cuyo valor antropológico y cultural en estos días nadie pone en duda. Me refiero a aquello que está enfrente de nosotros y no le damos importancia, pero que tácitamente también conforma parte de nuestra identidad. Se me ocurren las vidrieras de San José, la mescolanza entre religión y superstición que hace el tico, las canciones polas (pero buenísimas) de Radio Musical y los que mandan saludos igualmente polos y un largo etc.

Los anteriores ejemplos no son nada glamorosos. Mucho mejor. Me gustaría entender y porqué no, homenajear, aquellas manifestaciones sociales que generalmente son vistas desde una perspectiva peyorativa. Creo que conocerlas implica ser más tolerantes. Los "polos" que llaman a la radio y mandan saluditos, en el fondo lo que quieren es que los escuchen. Esos "polos" llaman a Radio Musical. El resto de los polos nos suscribimos en blogger y escribimos...deseando que alguien nos lea.

Diay, ya lo dice el dicho "La calavera es ñata".

Felicidades por la compra de su CyberShot DSC-P73

2006-02-23T11:03:00.000-07:00

Yo aprendí fotografía cuando ni en mis sueños más audaces podía imaginarme una cámara digital. Y tampoco fue hace tanto. Mi vieja Minolta aún me acompaña y no me atrevo a deshacerme de ella. Hace más de dos años que no la uso.

Es fácil hacerse adicto a los juguetitos digitales. Sofisticada forma de vagabundear, tal y como lo muestra la foto que ilustra este artículo.

Ver el estuche polvoriento de mi vieja cámara me da un poco de nostalgia, recordar el tiempo y las penurias que pasé para comprarla y nuestras inolvidables aventuras.

Sin embargo, en mis sueños más audaces sí me imaginaba disparando y disparando fotografías sin tener el más mínimo remordimiento. Los sueños se hacen realidad. A veces.

Ahora ya no vivo momentos Kodak, entiéndase, no tener que desembolsar más de cinco rojos por revelar un rollito de 36. También en términos ambientales, las dichosas cámaras digitales son un respiro a los litros de químicos y toneladas de papel que suponen los revelados. Contaminar un río para dos fotos medio decentes del viaje a Jacó, no vale la pena.

No se me ocurre mejor instrumento para empezar mi recopilación de imágenes para el trabajo. Ah si es cierto, no tengo tema... pero deporsí a un giga le cabe muuuucha basura.

La raya blanca versus Rafa Fernández

2006-02-20T13:44:00.000-07:00

Autorretrato de Enrique Echandi, obra de principios del siglo XX.

La historia del arte en Costa Rica es muy particular. Podemos hablar de esta como tal hasta poco antes de los inicios del siglo XX (lo cual es bastante reciente) con el primer pintor nacional graduado: Enrique Echandi. Formado en una escuela tradicional europea, gusta de la pintura al óleo, el retrato y los temas de inspiración neoclásica. Fue formado en academias de gran rigurosidad en la perspectiva y la anatomía del dibujo, cuyo fin es representar un modelo con la mayor fidelidad posible.

Predomina entonces un gusto por la arquitectura y la pintura clásicas europeas, donde tal vez el Teatro Nacional, es el ejemplo más representativo. Luego aparecen en escena, pintores con una ideas radicalmente diferentes y surge la pintura costumbrista, de casitas de adobe y paisajes rurales, que exaltaban ya no una aristocracia frívola sino al campesino de extracción humilde. Más tarde, aparece Max Jiménez, quien en su obra "El Jaul" desmitifica el ideal campesino y los representa como seres de dudosa moral, ambiciosos, borrachos y deshonestos. Otros como Paco Amighetti, posteriormente le darán la razón, aduciendo que los verdaderos orígenes de la identidad costarricense no se encuentran en los campesinos que son un producto "contaminado" de la conquista española, sino en el indígena.

Y no es sino hasta los sesentas, cuando aparece algo novedoso en la pintura costarricense: la abstracción y su máximo representante en esa época, Manuel de la Cruz González, curiosamente, contemporáneo de Rafa Fernández , mismo que hoy comparte espacio en el boulevard de la Avenida con la famosa raya blanca.

Así las cosas, ¿Porqué al tico parece gustarle más la figuración? Es decir, aquello que se le parezca más a la realidad tangible y no tanto lo que en apariencia, no es reconocible.

Yo me atrevo a afirmar que simplemente no hay un pasado histórico fuerte que nos remita a algo diferente, a pesar de que la obra de González es importantísima junto con otros que también quisieron en esa misma época romper y adaptarse a movimientos más modernos en el arte. Sin embargo, el grueso de la imágenes de la pintura, gráfica y escultura costarricense, la constituyen obras figurativas.

Igualmente, Costa Rica producía un arte totalmente figurativo cuando la tendencia mundial era otra, con todas los movimientos abstractos anteriores y posteriores a la segunda guerra mundial.

Asímismo, ¿es correcto afirmar que la figuración y los cuadros de Rafa Fernández (hoy un artista consagrado) son mejores a propuestas como las exhibidas en San José hace unos días, con una clara tendencia hacia estilos más de vanguardia? La pregunta también funciona a la inversa. ¿Qué pasa y porqué para algunos el arte de técnicas tradicionales es añejo y anticuado? Dónde se debe buscar la respuesta, ¿en la visión del arte mundial o en nuestro desarrollo natural, propio y local?

Creo que la respuesta está en la búsqueda de la identidad propia, en el arraigo y en el reconocerse de manera efectiva en una obra, sea uno el espectador o el artista que lo crea.

Y comienzo, robándome una cita...de otro blog.

2006-02-17T14:19:00.000-07:00

"Para quienes no la han visto, es una raya de pintura blanca que pasa por en medio de la avenida y tiene mensajes sin sentido escritos a ambos lados de la raya. A cierta altura del boulevard aparecen también dibujadas unas pizadas.

Se ve grotezco y vulgar. ¿será que lo hicieron sin permiso de la Municipalidad (MSJ)?.... y si así fue: ¿La MSJ no se dio cuenta en ningún momento que pintaban 2.5km de adoquines?"

Tomado de http://reportomandarina.blogspot.com/, Boulevard Avenida

Esta persona dice no entender qué ocurrió en la Avenida Central, rayas y palabras sin sentido le causaron malestar. La convocatoria del concurso que propició esta obra, en el marco de San José como capital Iberoamericana de la cultura, llamaba a la apropiación de los espacios públicos y a la concepción de proyectos con fines de exhibición "callejera". Así de abierto y así de libre. Bajo estas circunstancias, el fin último de la muestra es ser observada por el ojo de cualquiera, ese que transita siempre o esporádicamente. Se trata del arte "invadiendo" el espacio de la gente común, que sabe mucho de arte o tal vez no sabe nada.

El artist@ que ideó el trazo de una línea blanca a lo largo del paso peatonal de la Avenida Central, en efecto, hizo de su creación algo notable al irrumpir en la cotidianeidad y la imperturbable y simétrica secuencia modular de los adoquines. Con sólo eso, por modesto que suene, se puede palpar algo valioso, ya que no importa si hay una reacción positiva o negativa hacia la obra, hay una reacción y eso es realmente algo significativo. Pero nuestro artista agrega un discurso y es aquí donde la propuesta se torna confusa, de difícil lectura para el transeúnte y pululan las (mal)interpretaciones. No creo que sea responsabilidad del autor de la cita el no saber decodificar el mensaje de la mentada raya blanca. Un drogadicto pudo haber rememorado la periquiada del día anterior y el que está a punto de hacer el examen de manejo, pensará que no puede pasar al otro lado de la raya a menos que esta deje de ser continua, pero yo me pregunto, a quién de buenas a primeras, se le ocurrió pensar en un conflicto étnico, tomando en cuenta que esta es la justificación del autor?

Soy de la idea, que el arte debe ser asequible y respetuoso hacia el público al que se quiere mostrar y a veces ciertas propuestas, responden a motivaciones demasiado rebuscadas o convencionales.

Ahora sí, me presento.

Hago grabado y estudio grabado y recientemente tomé una abrupta desición. El pasado 14 de febrero del 2006, el día de los Enamorados me encontré aceptando la propuesta de un profesor. Y él me sedujo y yo, sin oponer ninguna resistencia, me dejé seducir y me vi embarcada en una pequeña meta llamada quinto año. Olvidé mencionar que estoy hablando en estrictos términos académicos... por si acaso.

¿Y qué es quinto año? Es un requisito para los bachilleres de grabado que desean hacer una licenciatura en esta especialidad y también es algo que yo juré nunca iba a llevar. (Mmm, tampoco soy bachiller, pero creo que eso tiene remedio en un par de meses, si no cometo un delito de aquí a allá). Consiste en desarrollar un proyecto práctico u obra artística con un sustento teórico sólido. Adicionalmente, una exposición colectiva o individual al final del año.

Necesito un tema, con urgencia, he barajado varios y aunque no existe una orientación definida para él, sí tengo un propósito y consiste en crear una obra entendible y cercana para el público que verá mi exposición final, despertar algún tipo de sensibilidad hacia mi técnica favorita, la serigrafía, y sobre todo, hacia ideas o motivaciones poco tradicionales. Todo lo anterior sin ser estéticamente complaciente o caer en discursillos trillados. Qué difícil.

Básicamente este blog se convertirá en mi bitácora, tanto escrita como visual de este proyecto que para mí es bastante importante, porque vuelvo a la gráfica después de un año en el que le di prioridad a lo laboral. Igualmente, todo el que guste está invitado a opinar, desde el más apático, como el que piensa que el arte es para vagos, hasta los que se admiran de ver una cucaracha majada en la calle, siempre y cuando esta tenga autor y precio en dólares.

Gracias de antemano por sus comentarios.